Piensen en Adrian Belew como en el John Cazale del rock histérico de fines de los setenta y parte importante de los ochenta. Una guitarra inconfundible, angulosa, ultraterrena, rara, sobre todo muy rara. Desde que Frank Zappa vio al joven Belew tocando en un club de mala muerte allá por el 76, éste se transformó en el traductor idóneo para plasmar la paranoia de discos que definieron la reconversión del rock, llámele new wave, funk, afro, experimental, en fin, lo que fuera.

Su primera experiencia importante junto a un nombre de peso, Frank Zappa, duró poco. Simplemente los egos acerca de quién toca mejor o más rápido llevaban todo por un camino inútil y absurdo; la música de Zappa, admitámoslo, no tiraba por entonces del carro del mundo pop como sí lo había hecho una década atrás. Y es aquí donde el olfato de Belew, una de sus grandes virtudes, lo llevó a acercarse a la olla donde se cocían las revoluciones más notables de la época; aparece Bowie y éste simplemente le dice, Adrian necesitamos guitarras extrañas, no más solos de blues o hard rock, sino algo que refleje el sentir de un yuppie nihilista electrónico que pervivía en el cierre de los setenta. En fin, vino Lodger, vino Scary Monsters, Bowie feliz y Belew listo para nuevos retos. Aparecieron Eno y David Byrne, con el delirante Remain in Light en mente: funk robótico, tribalidad gélida; poliedros y más poliedros. Y otra vez es Belew el que convierte su guitarra en un instrumento de posibilidades casi totales. Un auténtico alquimista en medio de un álbum de memoria permanente. En medio de este torrente, Belew se da tiempo de grabar su primer y hasta hoy mejor álbum, Lone Rhino, divertimento dadaísta y de pop fracturado con, claro, muchas referencias a sus recientes e ilustres compañeros de aventuras. Y los brujos locos siguen detrás del plasmador de insólitos. Robert Fripp, en busca de trasladar por enésima vez a King Crimson a un campo de trote y alerta, recoge a Belew y le propone ser voz y complemento perfecto de una trilogía magnífica: Discipline, Beat y Three of Perfect Pair. ¿Demasiada colonización para apenas siete años de carrera en la primera división de la música inquieta? Muy probablemente.

El próximo seis de agosto, Belew se presentará en Chile en el Teatro Nescafé de las Artes y, debemos insistir, no es el virtuosismo lo que realmente cuenta. Esto no es una exhibición de velocidad de dedos y bienvenido que así sea. Ver a Belew es tener en cuenta la guitarra que estuvo una vez en Look Back in Anger, en Crosseyed and Painless, en Undiscipline. El hombre de los tiempos, de la agitación necesaria, un condiscípulo y cómplice inmejorable. Amante de la torcedura y la imprevisión. Un enajenado encantador.

De acuerdo, a mí también me parecen geniales Trout Mask Replica (Captain Beefheart) e Y (The Pop Group). Pero no necesito que me apuren demasiado para elegir la música que preferiría escuchar para refocilar mi espíritu y convencerme de la necesidad de apostar por más. Sí, es una canción, una irrefutable, como las de Paul McCartney, las de Ray Davies, las de Brian Wilson, en fin, ya saben de lo que hablo. Y, claro, detrás de los colosos, viene no muy lejos de ellos, Neil Finn, el hombre de Crowded House.

Hay nuevo disco de Crowded House, Intriguer, y es tan magnífico que sin hacer nada, aquí sentados pierna arriba, cada dos o tres años, él vuelva con diez o doce canciones que ponen los pelos de punta. Puede ser junto a su hermano Tim, a modo de Finn Brothers, o con su banda madre, ésa que partió hace ya casi treinta años en Auckland, Nueva Zelandia.

Es notable este regreso, además, porque Neil Finn pasa por el mejor momento de su carrera: desde Everything is Here, 2004, disco firmado junto a su hermano, las cosas se han puesto muy serias. Es el envejecer, la calma de la madurez, un cierto toque otoñal, lo que ha transformado el pop, perdón El POP, de Neil Finn en algo sublime y con pasta de clásico. El 2007 sorprendió con Time on Earth, un álbum apesadumbrado por el reciente suicidio de Paul Hester, baterista fundador de Crowded House. El disco fue un magnífico réquiem por un compañero y un regreso tan apropiadamente producido, arreglado, que no sería desproporcionado compararlo con lo mejor que Paul McCartney ha firmado en los últimos años, específicamente Chaos & Creation in the Backyard.

Y ahora, hace algunas semanas apenas, tenemos entre nosotros a Intriguer. Y donde sea que se pinche el álbum, el corazón precipita sus movimientos. Las melodías están de nuevo donde corresponde, en medio de la elegancia y el pausado desenvolvimiento finniano, una especie de Ray Davis con más bondad y menos cinismo. Escuchen, por ejemplo, Twice If You’re Lucky: “Breathe it out, I can hear you now, You think reality’s shut you down/ And you’re locked away Where you can’t get out/ Spent awhile on your back/ But you know what it means to me, babe/ In the course of a history, hey It all makes sense to me somehow And it’s not what it used to be, no/ We’re suddenly free to let go And look what’s happening now”.

Justo antes de dormir, uno debiese pensar en Neil Finn o en Nick Lowe y así sería bastante más fácil conciliar el sueño. Gente que sabe hacer bien su trabajo, tipos sencillos que se encargan por nosotros de nutrir a la realidad del preciado combustible de la belleza, que absurdamente nos encargamos de hacer trizas día tras día. El mensaje es sencillo, parece decir Finn: todo está lo suficientemente estropeado, ya lo sé, pero mira, no estaría tan fuera de lugar que lo intentaras una vez más, quién sabe, ésta puede ser la ocasión, la tan ansiada. “You will love this one, You will love this one, As if we create something magical, honey. There are times that come, These are times that come, Only once in your life or twice like mine”. Bienvenido Neil, por enésima vez, volviste a levantarnos el pecho.

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Tyrannosaurus Rex - Unicorn

Antes de las plumas, caras maquilladas y pantalones de cueros, características del ícono Pop en que se convertiría Marc Bolan (inspirado en el arte de Andy Warhol), existió una etapa anterior a T. Rex, conocidos  por su aporte fundador al glam rock. Mucho más folkie, cercano al Lo-fi y con el nombre de Tyrannosaurus Rex, Unicorn (1969), es su mejor disco de los 60s, que siempre será un placer revisar.

Un Marc Bolan sesentero acompañado de Steve Peregine Took en percusiones y voces, capta la escencia del folkie de la época y entregándole su propio toque místico, por la literatura que acostumbraba a leer, conforma una obra imprescindible del folk inglés de los 60.

La historia cuenta que al verse en problemas ecónomicos, Took vende su batería para sobrevivir, solo quedándose con unos bongos y una guitarra acústica, que se transformarán en el perfecto ambiente presente en esta producción folk psicodélica.

Un comienzo increíble con Chariots of Silk (Carros de Seda) que anticipa lo que viene, un disco de grandes canciones, a pesar de que su coherencia canción tras canción, nos muestra una obra sólida, que grafica un momento musical y espiritual particular de Bolan . Mundos de hadas y duendes eran su vida por entonces.

Bolan junto a su compañero "Peregrine" Took

Momentos como The Throat of Winter (La Garganta del Invierno), una canción triste, que alcanza hasta un tenor cincuentero, sin atreverme a ahondar en ese aspecto. Acompañado de un tono grave, Bolan le canta al invierno preguntándole “si no es un sirviente del Malo” por la desgracia que le trae (Are you but a servant of the bad one?). Unas pistas invertidas dan paso a CatBlack, con un gran coro sigue el tono fantástico del disco. Stones of Avalon, resalta un elemento fundamental  de la obra, como es la influencia de la música hindú , que se mezcla de manera sorprendente con la raíz inglesa del autor. She was born to be my Unicorn, una frase hermosa que da en cierta medida el nombre al disco, una progresión de acordes que solo cambia para dar salida al tema con Bolan cantando acerca de bestias, gigantes y unicornios. Otros grandes momentos (todos lo son) son canciones como The Sea Beasts, Iscariot, Nijinski Hind. Todas dentro de un sónido, tras quien se encuentra la producción exquisita de Tony Visconti (productor de David Bowie),  que hasta la última canción aporta para entender el imaginario en el que se encontraba Bolan.

Marc Bolan murió trágicamente en un accidente de autos, dejando un legado impresionante para la temprana edad en que partió, 29 años. Desde el año 68 en que debutó con Tyrannosaurus Rex, no paró de editar discos cada año hasta su muerte. Su relación musical con artistas de la talla de Bowie, Dylan o Donovan, dan cuenta de un común origen Folk o acústico por lo menos, de quienes serían grandes estrellas de la historia de nuestra música Pop.

Ya son 40 años de una música impecable, de un derrotero ejemplar, y el vigor sigue intacto, tan así, que han lanzado un nuevo álbum, Con los ojos en la calle; qué título tan atinado para definir lo que ha hecho la banda: salir y observar, tomar apuntes de cómo caminamos, de cómo lloramos, de cómo conversamos una cerveza, usted, el lustrabotas, el suplementero, la gente que se sube y baja de una micro cargando historias de un peso feroz.

Siempre han sido los mismos, a pesar de que los asistentes del hemiciclo han cambiado varias veces, sin que los sustitutos destiñan; pero siguen los congresistas mayores: Sergio “Tilo” González y Francisco “Pancho” Sazo. El primero, un compositor impresionante, con ya treinta años al mando de la nave; Sazo, algo que podríamos llamar un acólito republicano. Y entre ambos, manejan y tejen el milagro. Una música sin timidez, gentileza del Tilo, que bebe del pop, del jazz, del rock, de lo docto, y del folclore latinoamericano, sin perder la identidad y el gesto propio. Y Pancho, un gentilhombre que habla de un Chile que echamos de menos, con cadencia, elegancia y dignidad, gustoso del chiste paradójico y del detalle que a veces da escalofríos, como cuando nos comenta que una canción del nuevo disco llamada N.N habla de un indigente al que unos imbéciles le quemaron los pies muriendo poco después en la asistencia pública.

Congreso fueron grito de revolución en los primeros setenta; espíritu se sobrevivencia en los años más horribles de la Dictadura; soplo de rebelión en los ochenta; entrecejo atento a las vicisitudes de un desarrollo con más dudas que certezas, en los noventa. Hoy, la confusión no se los lleva por delante, y la lucidez no decae.

Y el nuevo disco es un gran repaso del ideario de la banda. No hay novedades, y por qué habría de haberlas; el mismo Tilo ha reconocido que el grupo navega ahora por aguas tranquilas. Hay muchas historias tristes, entrañables, atroces y desopilantes. Y hay una música que no cansa; que se cuela con esa tan indispensable cuota de humanismo auténtico, de búsqueda libertaria más allá de cualquier fin ideológico, y de defensa de algo que no se puede perder de vista: la vida está ahí, en la calle, a nuestro lado, simple y vibrante, no en la fatuidad grosera que nos quieren hacer tragar día a día. Viejos y queridos amigos, que estos regresos no cesen nunca, su música es albergue y vuelo. Gracias y hasta muy pronto….

Fother Muckers cuenta ya con tres álbumes y un EP, el más reciente Si no tienes nada que decir, entonces calla, muestra a un grupo que a pesar de tener bastante claro qué tipo de canciones gustan de componer, deparan interesantes sorpresas; como Buscando Oro, el dub que cierra el disco de forma inesperada y notable con una estribillo rotundo “No me importa si al final me quedo solo o si se olvidan de mí; yo los dejaré y me iré buscando oro, así lo decidí”. Están Jessica y Meteoro, temas que de distinta forma exhiben el credo Muckers no se estanca. Y en esto se basó principalmente el concierto que la banda ofreció el pasado miércoles 23 de junio en la sala SCD del barrio Bellavista.

Es difícil expresarlo pero quizá un valor agregado de la propuesta de la banda sea un acoplamiento con cierto componente idiosincrásico. Quizá resida en la interpretación, en la levemente desafinada y ronca voz de Cristóbal Briceño, o en sus videos, llenos de plazas públicas, canchas de fútbol y poblaciones. En fin, el cuento es que Fother Muckers son algo así como los Beat 4 de los años dos mil: una banda sin duda influida por el rock anglosajón, pero que juega con éste e intenta infiltrarlo de una mirada local y desaflojada. Y esto, cuando una parte no menor de la escena parece una copia con suerte correctamente imitada, es un mérito. Quizá a Cristóbal Briceño se le pasa un poco el punto en lo parlanchín y de ser un despreocupado y chispeante cronista del Chile diario se torna de a poco en innecesario. Pero bueno, el regodeo hay que dejarlo a un costado.

Fother Muckers pasan por un buen momento. Su sonido, que a veces se sustenta en tres guitarras, es cada vez más consistente, sus canciones son lozanas y diversas dianas pop y, lo mejor de todo, su desaprensiva puesta en escena, su recatada expresión de ego, hace que su música y por sobre todo la existencia del grupo sean un bienvenido don por estos días. Como ellos decían en una canción propia Que vivan los Fother Muckers.

Y en esta fecha, la del viernes 11 de junio, Quinteros demuestra que Los Días Santos es otro disco que habrá que escuchar con atención. Primero, hay un giro: sus canciones recuerdan un sector grato del Indie ochenteno, Smiths o Woodentops, por nombrar un par de bandas señeras: rockabilly y vestigios new wave que su banda sabe cada vez interpretar de mejor forma. El recital del viernes pasado en la sala La Bodega fue de hecho un mejor acercamiento que el ofrecido hace algunas semanas en el Bar Loreto.

Ya rota en las radios Cheerleader, primer sencillo del álbum. Y, al escucharlo solo un par de veces, sentimos que no acusamos un golpe importante como en su momento fue escuchar Invisibilidad o Fiesta Pagada; canciones que acoplaban tan saludablemente letras inquietantes y música de un clasicismo maduro Habrá más oportunidades, desde luego. Una canción para recordar: Nuestros Sábados. De estribillo memorable.

Sobre todo, lo más relevante de estar en un recital de Quinteros es constatar la gran cualidad de su música: su consistencia, su dirección casi siempre apropiada y de abundantes recursos. Quinteros no es un gran frontman, la empatía no es quizá su fuerte; pero compensa con creces este mentis con su estimulante propuesta. Se rodea de los músicos idóneos, qué bien Felipe Cadenasso en guitarra, y conoce con suficiente sapiencia de qué va esto de hacer canciones pop. Parafraseando una de sus canciones, Leo, es un placer volverte a ver.

Fotos: Jorge Bravo De la Carrera

El pasado sábado cinco de junio, Cadenasso –que no es otro que Felipe, el de Matorral, usando su apellido-, lanzó su primer disco solista, El Movimiento. Un álbum que ya daba vueltas desde diciembre de 2009, con Convicción como primer corte.

¿Qué nos ofrece Cadenasso? Es interesante su propuesta porque su visión folk prefiere centrarse en las armonías, en la arquitectura, más que en las melodías; tal vez no por carencia de mejores armas, sino precisamente como un motivo de búsqueda y estilo. Y he aquí una diana anotada. Su puesta en escena logra muchas veces una estimable sutileza y cualidad orgánica. Recordemos que lo acompaña como banda estable Leo Quinteros en un dosificado y profundo piano- quien también ofició de productor del disco-, Bernardita Martínez en un apropiadísimo contrabajo, y Gonzalo Planet –compañero de Cadenasso en Matorral, en percusiones, guitarra y bajo, ocasionalmente. Y en un clima de cuidada evocación, Cadenasso entrega en diversas ocasiones una sensación de espectrales reminiscencias urbanas. Su música se esconde en piezas y salones de ciudades de baja frecuencia, de andar cansino y tiempo suficiente para un té, sopaipillas pasadas y añosos álbumes de fotos. Construye imaginerías de ocasos perdidos y juegos inconclusos en la plaza de la esquina.

Lo que constituye la gran noticia de El Movimiento es precisamente su control y vocación por no agotar una vez más el cliché. Comparte y reparte aguas y créditos. Sus canciones, que a veces parecen letanías o mantras tan familiares en la historia de nuestro folclore, inmediatamente buscan otro techo bajo el cual guarecerse y así evitar miradas gruesas.

Lo dijimos en diciembre y lo decimos ahora: El Movimiento es un disco valioso que desde ya se apunta en la parte de alta de los lanzamientos chilenos de la temporada. Y que este ensueño vespertino invernal nos espere en la siguiente parada del tranvía de las cinco.

Fotografías: Rolando Millán

Odessey and Oracle

La eterna promesa del Pop: adentrarse en el mundo de fantasía que alguna vez se perdió. La forma en que en los sesenta la expresión musical de masas navega en el océano lisérgico de la psicodelia, crea una complicación a la hora de ocupar el mismo término para definir obras que se encuentran a años de luz de lo que actualmente definimos como pop. Más que adentrarse en una discusión social, este artículo simplemente revisa un disco, aporte esencial para entender a través de la música un momento distinto de nuestra historia, pero determinante en cuanto a lo traumático que sería para la misma, ya que hasta nuestros días es imposible alejarse y dejar de repetir lo generado en esa época.

El disco Odessey and Oracle (1968) de la banda inglesa The Zombies, es sin duda un emblema de la década. Desde su magnífica composición, pasando por una particular historia y más aún, las repercusiones que tuvo a lo largo del tiempo, lo hacen una piedra angular en el pop. Con estas canciones, Rod Argent y Chris White llevaron a la banda a ocupar un sitial privilegiado en la historia de la música pop, a pesar de su corta discografía y de su inmediata separación posterior al álbum.

Un brindis por la Odisea

Entran en un momento complicado a grabar, pues ya están los supuestos referentes de la época instalados. Le hacen relevo a The Beatles y Pink Floyd en los estudios Abbey Road, quienes en la misma locación habían grabado el Sgt. Peppers y el Piper at the Gates of Dawn respectivamente, en el año 1967. Un año antes, la producción del Pet Sounds de los Beach Boys, había instalado el sonido que los Zombies explorarían en esta, su obra cumbre.

Odessey and Oracle se compone de doce maravillosas canciones empapadas de amor, fantasía y ensueño al más puro estilo del pop barróco. Temas como Hung up on a dream, un viaje lisérgico de Argent, clásico en la época, donde cuenta momentos en que la conciencia alcanza niveles de “pureza”, momentos celestiales y de una espiritualidad que intentan llevar a una canción, que a la vez genere sentimientos parecidos. I want her she wants me, la fragilidad a la que deja expuesto el amor, retratada de una manera aunténtica y estremecedora, con un clavicordio (emulado por un melotrón) característico del estilo presente en más de una de las canciones, el cual da una elegancia y belleza pocas veces alcanzada. This will be our year, una canción que suena a tantas que se hacen en la actualidad, la única del disco que quedó en mono en la versión norteamericana (producida por Al Kooper) debido a la falta de una pista para el doblaje; “este será nuestro año”, habla de un amor esperanzado. Por último, citar Time of the Season, ya que fue el single que inesperadamente tuvo un gran éxito en la época, cierra con un broche de oro el disco.

Los esperpentos más angelicales del reino unido

El legado de The Zombies – luego de su inmediata separación al terminar este disco, producto de su escaso éxito en los singles-  hasta nuestros días resuena, ya sea por devoción directa o una inconsciente aprehensión, podemos identificarlos con facilidad en numerosas bandas. Por dar algunos nombres: Belle & Sebastián, Of Montreal, The Divine Comedy y hasta los nacionales Primavera de Praga o los extintos Jirafa Ardiendo.

Junto a Forever Changes (1967) de Love y Village Green Preservation Society (1968) de The Kinks, deben ser de las obras más injustamente reconocidas en su época y donde los años, con justicia, terminaron imponiendo la calidad incomesurable que en ellas se encontraba.

Time of the Season en el Aniversario 40 del disco

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Hung up on a Dream

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Compruébelo escuchando “Mestiza”, el segundo single de Paisaje Concreto

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El estreno capitalino de Paisaje Concreto -editado por el sureño Discos Tue Tue en 2009, sello de Iván Molina que ayudaron a fundar con su primer disco- será el próximo viernes 7 de mayo en el Estudio Elefante (y acá regalamos entradas). Pero esta no será una fecha promocional cualquiera, ya que además marcará el reencuentro de los integrantes de Trapezoide luego de algunos meses distanciados: en septiembre pasado César Rebolledo (voz, trutruca y percusiones) y Felipe Donoso (batería) se trasladaron a vivir a Santiago, mientras que Pablo Mura (guitarra) y Walter Pineda (bajo) aun viven en Valdivia. Luego de la presentación que dieron en su ciudad natal en octubre de 2009, precisamente para el lanzamiento de Paisaje Concreto, no habían tenido oportunidad de tocar todos juntos, hasta ahora.

“El sentido de Paisaje Concreto era sacarnos una foto a nosotros mismos”, declara Pablo Mura, y agrega: “grabar un disco es como sacarle una foto a una canción y matarla. La dejas ahí, limitada a lo que es en el disco. Pero la idea es que cuando vayas al concierto sientas lo que está pasando en ese momento con los músicos. Entonces esa es la idea que tenemos para esta tocata: que se sienta más el trance que vivimos con los temas, y que la gente entre en trance también. La idea es sacarnos las formalidades, las estructuras y tirar los temas más al natural”

Walter Pineda, Pablo Mura, César Rebolledo y Felipe Donoso, exploradores culturales del sonido

En el portal Música Popular los califican como rock progresivo, ¿les queda bien esa clasificación o los incomoda?

Pablo Mura: Es dos cosas a la vez. El rock progresivo es tan grande, involucra tantas cosas que nos abre un espacio grande para movernos. Pero igual nos limita porque hay veces que queremos hacer las cosas mas simples.

Walter Pineda: El rock progresivo es más cabezón, más académico, más técnico que lo que queremos ser algunas veces. Cuando partimos decíamos que éramos punk progresivo, porque nos gusta hacer las cosas más a nuestro modo.

Pablo Mura: El Cesar y el Pollo (Felipe Donoso) eran panky. Estudiando acústica en Valdivia nos conocimos y ahí nos unimos como grupo. Donde estudiamos se escuchaba harto rock progresivo, como King Crimson, Frank Zappa y Tool también. En Valdivia vas a cachar que la mayor cantidad de las bandas suena y escucha rock progresivo. La Desooorden es como el paradigma de la música valdiviana y ellos son muy progresivos, con jazz y fusión además. Nosotros tomamos todo eso que nos rodeaba pero lo hicimos a nuestra manera.

En una entrevista declaraban que siempre buscaron definir la música de Trapezoide, ¿en que está esa definición, es algo cerrado o que aún siguen buscando?

Pablo Mura: Esa definición ya está cerrada. Igual, siempre nuestra música va a estar relacionada con el momento y la historia que tenemos que contar. En el primero fue probar bastante, no tratamos de marcar una tendencia, sino que lo íbamos construyendo en el camino, fueron canciones que se dieron naturales. La rebelión de los peluches fue otra cosa, ese es mas conceptual, es como todo una sola canción larga. Ahora hay cosas que viene del pasado y otras que son justo antes de grabar, que se apretaron para estar en el disco.

Si tenemos que encajonar a Trapezoide podemos decir que somos una banda que contamos con un sonido claro y definido, pero que no tenemos una sola fórmula para generarlo. Las canciones nacen de cada experiencia, son los momentos, son las historias. Ahora hay canciones que suenan Trapezoide, pero que no se parecen a nada de lo que veníamos haciendo antes: hay unas más rockeras, otras como más poperas, otras medias mexicanas.

¿Qué buscan al juntar instrumentos étnicos y folclóricos con bajo, guitarra y batería?

Pablo Mura: Los instrumentos tienen dos sentidos: por un lado las percusiones que van acompañando la base, y por otro la trutruca que tiene que estar como una voz, como un adorno melódico en un momento preciso. La idea es generar una atmósfera distinta. No es que vayamos de místicos por ahí buscando el chamullo. Lo nuestro es mas que nada es tomar lo que tenemos cerca, lo que vayamos descubriendo. Vamos encontrando los elementos y probamos donde los podemos usar.

Walter Pineda: Incluso tenemos un driyidú, que es un instrumento de viento australiano. Lo encontramos y César aprendió a tocarlo por las suyas, sólo aprendió lo de la respiración continua para poder tocarlo con nosotros. El Cesar siempre saca distintos elementos, palos de agua, campanas, tambores. Él tiene sus juguetes y los va introduciendo en los temas, nunca se queda quieto.

“Canción de César”, primer single de Paisaje Concreto

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Hace meses ya que lanzaron Paisaje Concreto en Valdivia, ¿cómo se sienten con este disco ahora que lo van a presentar en Santiago?

Walter Pineda: Hace tiempo que no ensayábamos, pero nos juntamos y salio todo súper bien. De hecho me gustó mucho más que la última vez que tocamos. Incluso la última vez que tocamos debimos sonar como lo estamos haciendo ahora.

Pablo Mura: El sentido de Paisaje Concreto era sacarnos una foto a nosotros mismos. Entonces cuando creamos las canciones y entramos a grabarlo éramos una persona, y cuando lo masterizamos y la lanzamos ya éramos otra cosa. Entonces hay un momento en el que como que no te sientes identificado. Pero después al tocarla, tomas los temas de nuevo a tu pinta, pero hay que ver hasta donde llegar con eso.

Esa es una discusión eterna que vamos a tener, porque grabar un disco es como sacarle una foto a una canción y matarla. La dejas ahí, limitada a lo que es en el disco. Pero la idea es que cuando vayas al concierto sientas lo que está pasando en ese momento con los músicos. Entonces esa es la idea que tenemos para esta tocata: que se sienta más el trance que vivimos con los temas, y que la gente entre en trance también. La idea es sacarnos las formalidades, las estructuras y tirar los temas más al natural. Las ultimas tocatas con Trapezoide estaba muy preocupado de satisfacer al publico, pero ahora me preocupe de mi y de disfrutar el momento, por eso creemos que debemos disfrutar y transmitir eso al público.

¿En que está la escena valdiviana actualmente?

Walter Pineda: Ahora hay una banda a la que le esta yendo muy bien, pero es más popera. Los Panoramas se llaman. Hace poco ganaron el concurso de bandas de la Rock & Pop, con una canción que se llama “La vida está loca”. Y además de ellos hay como un relevo en la generación de bandas, se está renovando el circuito con bandas con otra onda, más pop y más punk.

Pablo Mura: En Valdivia se está haciendo un relevo de público y músicos. Y eso es bueno, porque los que venían de antes se pusieron muy resignados, muy cómodos, se pusieron conformistas y como que se cerraron los espacios. Antes había varios locales donde tocar, pero ahora sólo tocan los mismos de siempre, entonces como que hacía falta que se generara un nuevo movimiento. Las bandas de pendejos son súper entretenidas, son súper locas y tienen su propio circuito. Y como que nosotros tenemos buena onda con ellos, hemos tocado con ellos y se saben nuestros temas y todo muy buena onda.

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En SurRuido regalamos entradas para la tocata que Trapezoide dará en Estudio Elefante el próximo viernes 7 de mayo, a partir de las 21:00 horas. Para concursar clica acá.

Y Robyn tuvo alguna vez un grupo, su primera banda importante, llamados Soft Boys, y fueron éstos los responsables de una obra maestra que ya cumple treinta años: Underwater Moonlight. En medio de la afirmación de la new wave y el post punk, con ecos aún de la virulencia ética del punk, Hitchcock apuntaló una reinterpretación de la psicodelia desde la vitalidad, la paradoja y el desmadre psicótico. Si hay constantes en la historia musical de Robyn Hitchcock una fue su devoción hacia Syd Barret, entendida como la exploración permanente del modelo compositivo impuesto por el autor de Octopus. Y sí a esto añadimos un paseo documentado por la costa oeste norteamericana, con paradas en el dadaísmo de Captain Beefheart y el inconmensurable mundo Byrds, llegamos más o menos al patrón de juego de Soft Boys.

Su magnus opus parte con I wanna destroy you, lo más cercano a un himno; punk lisérgico, primo en segundo grado del Vegetable Man de Syd Barret. Son fines de los setenta, y el sueño hippie acabó de muy mala forma y hace rato ya que yace en el lecho del río: es tiempo de cinismo, de apretar los puños, de escupir. “A pox upon the media/ And everything you read/ They tell you your opinions/ And they’re very good indeed/ I wanna destroy you”. El álbum asciende; las melodías son un bloque impenetrable sostenido en el juego de guitarras desaforado y anguloso. Cuando un escucha Take me out de Franz Ferdinand sabe cuánto debe una canción como ésta al ejercicio de estilo de Soft Boys.

Y el álbum prosigue deslumbrando. Porque de la rudeza de la pista inicial pasamos aviso previo al jardín de placeres terrenales de Hytchcok, lugar donde el absurdo y lo inefable intercambian fuerzas, aludiendo a espacios ignotos e imprecisos; así ocurre en la exquisitamente bluesy I got the hots: “Here I am/ Looking out on a crystal world/ Floating currents of human eyes/ Baking land under creamy skies”.

Y después de Underwater Moonlight, Robyn volvió a desaparecer para, poco después, emerger con ese mismo empecinamiento saltimbanqui de volverse inasible como una ensoñación ácida. Duermevelas, sin embargo, que no se disipan y constituyen la nerviosa bruma de un artista que aún hoy es garantía de exquisitez y locura a buen recaudo.