Parte de este trabajo es lo que el mismo Ernesto Díaz, junto al director de fotografía y montajista Nicolás Ibieta, presentará en la charla “Cine y tecnologías”, que se realizará este miércoles 23 de noviembre en Lastarria 90 a las 20:00 horas. En dicha oportunidad también se mostrarán escenas de “El Tronador”, filme de bajo presupuesto realizado por Díaz en su periplo por Los Ángeles (Estados Unidos), y con el que consiguió el presupuesto para “Kiltro”.

En el encuentro, Ibieta y Díaz darán a conocer su forma de trabajo, donde las nuevas tecnologías juegan un rol clave. “En la literatura se necesita sólo lápiz y papel para escribir un libro. Con las nuevas tecnologías el cine por fin se está acercando a eso, con un celular y un computador puedes hacer una película. Debemos fijarnos y adaptarnos a la nueva ola de espectadores, los que consumen Youtube, I-tunes y otros medios similares”, comenta Díaz para explicar la modalidad de Cine Garage con la cual es posible concretar producciones cinematográficas a bajo costo.

Ernesto Díaz en pleno rodaje de "Santiago Violenta"

Piscolas y pistolas: el mundo gangster de Díaz

Sobre la historia de “Santiago Violenta”, Díaz nos cuenta: “Básicamente son tres amigos -Mauro, Noel y Broco- que de un momento a otro caen en un mundo gansteril en el cual deben sobrevivir. Son personas normales como cualquiera que, terminan empuñando pistolas y viviendo experiencias cada vez más extremas, en las que a cada instante se pondrá a prueba la amistad que los une”. Bajo una estética que recuerda los policiales de los setentas, el director agrega que es su forma de tributar a varios de sus autores favoritos: Tarantino, Scorsese, Sam Peckinpah y los clásicos del cine giallo italiano.

Los actores Nicolás Saavedra, Mauricio Diocares y Matías Oviedo dan vida a estos tres amigos de la infancia que, aburridos de las rutinas y formalidades de su entorno social (familias acomodadas del barrio alto), llegan cada fin de semana al centro de la capital para dar rienda suelta a sus vicios y pasiones: las fiestas, las apuestas, las piscolas y las chicas audaces. Por accidente se ven envueltos en un confuso incidente entre detectives y traficantes, y se van introduciendo más y más en el mundo delictual.

En estos momentos el filme se encuentra en proceso de post producción y se espera que sea estrenado durante el primer semestre de 2012.

Para asistir a la charla y ver el adelanto de “Santiago Violenta” hay que inscribirse en el mail reservas@lastarria90.cl. Mas informaciones en www.l90cinedigital.com/.

Oviedo, Diócares y Saavedra, los protagonistas de "Santiago Violenta"

EL EDIFICIO DE LOS CHILENOS

El jueves 15 de septiembre el Cine Arte Alameda estrena el documental El edificio de los chilenos. El documental de la directora Macarena Aguiló obtuvo el gran premio del FIDOCS 2010, en la Competencia Nacional de Documentales.

A fines de los años 70′, los militantes del Movimiento de Izquierda Revolucionaria (MIR), exiliados en Europa, regresaron a Chile a luchar clandestinamente contra la dictadura. Muchos de esos militantes tenían hijos que no podrían llevar con ellos. Para esos hijos nació el Proyecto Hogares, un espacio de vida comunitaria que reunió cerca de 60 niños que fueron cuidados por 20 adultos llamados Padres Sociales.

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Macarena Aguiló ha participado como directora de Arte y como ambientadora en películas como Sangre Eterna y Paraíso B. El Edificio de los chilenos es el primer documental que dirige.

Este documental, que rememorará una época histórica de nuestro país, invita a la reflexión sobre Chile, pocos días antes de cumplir un año más como república independiente.

LA REVOLUCIÓN DE LOS SARIS ROSAS

El jueves 8 de septiembre el Cine Arte Alameda el estrené el documental La Revolución de los Saris Rosas. El trabajo de la directora Kim Longinotto muestra la dura historia de las mujeres indias que son obligadas a casarse.

“La vida de una niña es cruel; la vida de una mujer es muy cruel”, apunta Sampat Pal, la protagonista de Saris rosas. Casada por obligación de muy joven, se encontró, de repente, con una familia política que la maltrataba y le hacía trabajar muy duro. Lejos de lo que es habitual, Sampat los abandonó para convertirse en la líder de la Gulabi Gang (la Banda Rosa), un grupo de mujeres de la región india de Uttar Pradesh, identificables por sus saris rosas, que luchan contra los matrimonios forzados y el acoso que sufren muchas jóvenes. Una mirada dura pero a la vez divertida hacia estas activistas y su carismática líder.

La Directora Kim Longinotto es una de las realizadoras europeas de documentales más activas y reconocidas. Sus filmes, premiados internacionalmente, se caracterizan por tratar temas controvertidos con sensibilidad y compasión. Desde 1986 tiene su propia productora, Vixen Films. Algunos de sus documentales más conocidos son Sisters in Law, sobre abusos sexuales a mujeres del Camerún, y Hold Me Tight, Let Me Go, centrado en un internado inglés para niños conflictivos.

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Un fan, una víctima, una casualidad… y el Viejo Pascuero. Así resumen Bettina Perut e Iván Osnovikoff a los personajes que pueblan su historia, caracterizada por el humor y la exageración. Cómo vivieron chilenos comunes y corrientes la muerte de Pinochet, el 10 de diciembre de 2006, es el eje central de este documental que se interna en la privacidad de los improvisados portavoces de este momento histórico, en que la polarización volvió a las calles y la desinhibición se apoderó hasta del más contenido.

“Hubo una catarsis y una desinhibición, de la cual algunos incluso se arrepienten, que se manifestó masivamente”, explica Osnovikoff. “La película evoluciona hasta lograr que las partes dialoguen entre sí, creando el retrato de este conjunto ese día en particular.”

La estética fragmentada -que cada vez más se imprime como un sello en la filmografía de los directores (Un hombre aparte, Welcome to New York, Noticias, entre otros)- marca un punto de inflexión en la captura de los hechos, alejándose del lenguaje periodístico y audiovisual tradicionales, para crear un mundo propio construido por detalles: la saliva en una boca, la rugosidad de una mano, la humedad de un ojo. La sorpresa se instala en la película como pasajero habitual.

“Queremos situarnos en un punto de vista donde la mirada periodística no se sitúa habitualmente”, señala Perut, “ese acercamiento visual produce mucha intimidad y crea mundos particulares”. Y es en esa intimidad que los personajes transitan de militar a poeta, de agresor a víctima, de marginal a celebridad y de conscripto al viejo pascuero.

Bajo una mirada juguetona, que mezcla lo melodramático con lo hilarante, La Muerte de Pinochet expone la faceta más trastornada de nuestra idiosincrasia.

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Lunes a Domingo:  15:15, 17:00, 19:00 y 21:00 Hrs

Una maldición de siglos. Y una película para siempre

Ya son 50 años del comienzo de una década fundamental: Los 60. Cuantos goces estilísticos y viajes personales, nos han quedado de una época explosiva y torrentosa como aquella. Podemos hablar de cine y encontrar hitos tan importantes como diversos, en solo el primer año de este período: En Estados Unidos,  Roger Corman estrena la primera de su seguidilla de películas sobre cuentos de Poe, “La caída de la casa Usher”; también la gran obra de horror infantil, “El pueblo de los malditos”, aterrorizaba a los espectadores; asimismo llega al publico uno de los metrajes que le cambio el significado a la palabra horror y porque no decir, una de las mejores películas de toda la historia del cine, Alfred Hitchcock da una clase de suspense con “Psycho”. En la otra parte del mundo, en la India, Satyajit Ray producía una de sus obras más representativas: “La Diosa”. Europa no se quedaba atrás y marcaba tendencia, hacia sitios insospechados, la creatividad fluía en los proyectores: En Francia, podemos encontrar a Godard y su “À bout de soufflé”, o por otro lado muy distinto –mas terrorífico- a George Franju con “Ojos sin rostro”; en Inglaterra, Michael Powell nos regala “Peeping Tom”, una de las semillas del posterior “cine slasher”.

Ahora bien, el cine de Italia siempre ha sido importante para la subsistencia del cinematógrafo. Y este estaba entrando en una nueva etapa, una más fresca: En una vereda encontrábamos a Luchino Visconti estrenando su pieza talvez más callejera –no por eso menos impactante visualmente- “Rocco y sus hermanos”; por otra avenida, Antonioni y su “Aventura”. Pero había otro sub-genero, una calle sin salida, que estaba llamando la atención del país del spaghetti y ese era el “Terror gótico”. El 11 de agosto de 1960, un director que llevaba años esperando su momento, vio la luz y eso es literal: Mario Bava dio el vamos a una carrera entrañable como director –a sus 40 y tantos años- y de que manera: Esto es “La Maschera del Demonio” (1960).

El hombre de la mascara

Acosado por sus musas y sus creaciones

La importancia del cine de Mario Bava en la cinematografía italiana (y posteriormente global) es innegable, que luego el camino que el comenzó haya terminado en otra cosa, allá ellos. El lazo de Mario con el cine es esencial; su padre, Eugenio Bava, fue director de fotografía, por lo cual las cámaras siempre fueron parte de su mundo. Es esa misma fascinación la que lo impulsa a convertirse en camarógrafo, lo cual rápidamente se fue convirtiendo en operador en jefe y luego en director de fotografía. En dichos puesto, pudo trabajar con directores de la talla de Jacques Tourneur y Federico Fellini, grandes realizadores en los que la estética y visualidad, son la espinal dorsal de sus obras. El ser director de fotografía lo llevo a estar muy cerca del pensamiento creativo de una obra y eso se ve en su obra, cada escena está planteada con una iluminación única. Es aquí donde entra Riccardo Freda a nuestra historia; este director trajo a Mario Bava, para hacer la fotografía y efectos especiales –visuales- de dos de sus películas: “I Vampiri” (1957) una de las precursoras del terror gótico y “Caltiki” (1959); en estos dos films, Mario Bava tuvo la oportunidad de dirigir algunas secuencias, las cuales ulteriormente serian sus cartas ante los jefes de estudios, que confiarían en él para realizar un film, de su autoría.

Este fue “La Mascara Del Demonio”, film por lo menos decir: Particular. Un metraje que nos habla de una familia de la aristocracia en descomposición, de vampirismo, de sangre pagana, y sobre todo, sobre una maldición eterna que está condenada por el poder de un amor prohibido. El film parte así, estamos en la inquisición y se está quemando a la princesa Asa -la siempre exquisita Barbara Steele-, por haberse enamorado de un hacedor de rituales satánicos; antes de ser tostada por las flamas, ella debe ser torturada con la mascara del demonio -una Iron Maiden de aquellas-, es en ese momento en que la princesa mira al cielo y maldice a todos los presentes, “que vivirá en la sangre de los hijos de sus hijos de sus hijos”. Al ser perforada por la mascara, la cual fue puesta a martillazos, se nos aparece el titulo del film. El prologo de esta obra inmediatamente nos prepara para lo que vendrá, una película con una fotografía –hecha por el mismo Bava- hipnótica y onírica; con unos movimientos de cámara largos y manieristas, que muestran el entorno de los personajes con sutileza de bailarín; también este es un film que muestra más de lo que uno cree, con unas secuencias que rozan el “gore”. El resto de la obra, continuará y reforzará la estética planteada en el genial prologo, donde se cumplirá la condena de la princesa Asa, 200 años después, los cuerpos de los enamorados se levantaran a maltratar a los descendientes de los inquisidores.

El primer film de Mario Bava, plantea un genero y lo desarrolla, pocos directores pueden decir que con su primer film, sientan las bases de un estilo de filmar. El “Terror gótico” había traído a muchos espectadores a las salas alrededor del mundo, expresado de distinta manera en cada país. En Alemania “Nosferatu” (1922) y “El gabinete del doctor Caligari” (1920), llevaron a la pantalla el terror gótico de una manera oscura y sensual en el caso de la primera, muy plástica y torcida en la segunda. La “Universal” en Norteamérica, con sus monstruos también habían conquistado al mundo, dando películas “más grandes que la vida”, especialmente en el caso de “Drácula” (1931) y “Frankenstein” (1931), donde encontramos el uso de la niebla y de las figuras agudas, que llenan de tensión los cuadros, el caso de Lugosi como el eterno vampiro, es conocidamente famosa por el despertar sexual que supuso su perfomance. La “Hammer” en Inglaterra también, dio cuenta de que se podía hacer “TG” a color, y no por eso ser menos oscuro. Pero el caso de Italia, es muy curioso, porque en este país se expreso, en un cine más explicito y siempre sexualmente más abierto que en otros, el uso de la figura femenina siempre ha sido un gancho para el publico italiano. Es curioso ver como este film tuvo una repercusión tan grande, en el cine de otros directores del país, como aprendieron viendo este y otros grandes films de Bava –léase “Las Tres Caras Del Miedo” (1963), “La Frusta e Il Corpo” (1963), “Seis Mujeres Para El Asesino” (1964), “Danger: Diabolik” (1968), “Bahía De Sangre” (1971), etc.-, de distintos géneros. Cada aspecto de estos films con los años fue “evolucionando”-o mas bien se fue extremando-: El manierismo en la fotografía de los films, que Dario Argento tomaría como bandera, la amplificación de los colores fuerte de Bava fluyen por “Suspiria” (1977); la violencia, que su contemporáneo Fulci o el posterior Soavi, harían propia y que luego se trastornaría en brutalidad, por ejemplo con: “Holocausto Caníbal” (1980) de Deodato; el misterio y el suspense, que heredaron los giallos –genero que creo Bava y algunos contemporáneos-; la sensualidad y los desnudos, presente en las película italiana de horror o giallo de la época, con el motivo de ganar publico, lo cual llegaría al extremo de la pornografía, caso de “Holocausto Porno” (1981).

La mascara del demonio sobre la princesa Asa. Un poquito de “Gore”

Lo nuevo es lo viejo mal recordado me decía un amigo, es verdad, al ver el cine de hoy, en general nos parece cada vez más seductor mirar hacia atrás, o esperar las nuevas obras de los viejos zorros. Hoy ya son 30 años de la muerte de un maestro y 50 de su debut como director, es por ese motivo, que le rendimos un sentido homenaje a Mario Bava, por tantas imágenes inolvidables, por tanta audacia a la hora de filmar; por darnos películas hechas sin mucho en los bolsillo, pero con mucho corazón y creatividad; por llevarnos en un viaje sin retorno por todo el espectro de colores, luces y sombras. Nosotros somos de los que nos quedamos con la imagen de Barbara Steele, saliendo de una bruma de ensueño, con dos perros gigantes, como una diosa que conquistó a Hades y volvió para contarlo. Mario Bava, muchas gracias por todo.

Rocky lo tiene claro y así se lo deja saber a Gloria: tú no serás nunca una ganadora y deberás conformarte con los peniques que te lancen en las esquinas. Rocky es el maestro de ceremonias de un concurso singular y atroz, sobre todo atroz: decenas de estragados hombres y mujeres participan en una maratón de baile; bailarán durante semanas, con apenas períodos de descanso, para que al final –por supuesto, un final que jamás llega- solo una de ellas pueda obtener unos cuantos dólares y sobrevivir por unas semanas más. Estamos en los años más duros de la Gran Depresión, cuando la miseria se traga a Norteamérica, y una alternativa tan grotesca como un sádico lance de baile aún puede perdurar como una alternativa válida para alcanzar una deslavada gloria y esperanza.

Entre los concursantes está Gloria –tal vez el papel más notable de Jane Fonda- y Robert –a cargo de Michael Sarrazin-. Ella es amarga y cínica, corroída por el natural y comprensible espanto que conlleva tener muy claro cuáles son las cartas que uno tiene a su haber; Robert, en tanto, esconde su desesperanza en un bozo de cierta ingenuidad y ensueño; ambos componen una de las duplas competidoras y alrededor de sus derrumbadas vidas giran el resto de los concursantes: marinos veteranos de la Primera Guerra Mundial, mujeres embarazadas, actrices fracasadas con ansias de llegar a Hollywood. Y, bueno, está el público, para quienes está dirigido este show de farsas y degradación. Rocky, interpretado por Gig Young,  controla los tiempos: los concursantes no pueden mostrar glamour ni solvencia, la gente no paga cuatro pesos por ver tipos mejores que uno: solo se sienten bien si delante de ellos ven personajes aún más miserables, eso los reconforta.

Hay una secuencia memorable y que desconcierta en la metáfora que esconde: es momento del derby, una carrera a lo largo de la pista en que las últimas tres parejas serán eliminadas de la competición. Los vemos correr, exangües, mínimos, vencidos, cayéndose a pedazos; y el público está atento al espectáculo, vitorea, coloca sus fichas, comenta sus favoritos. Pocas escenas alimentan con tanta veracidad la carnicería de la vida humana y el descampado que queda a sus espaldas.

“They Shoot Horses, Don’t They?” es una película impiadosa y triste, porque a fin de cuentas es solo la muerte la que puede terminar con tanto estropicio, con tanta vacuidad y fracaso. Sydney Pollack filma una cinta inusual en vista del tono de su posterior filmografía. Oscura, grave y poderosa, es una película sobre las peores pasiones humanas pero sobre las cuales siempre se yergue un valor supremo: la amistad honesta y final entre dos personas abandonadas a una suerte perra.

Wes Anderson

Con motivo del estreno de su última película “Fantastic Mr. Fox”, se hace necesario realizar una retrospectiva de lo que ha sido la corta pero alucinante filmografía del oriundo de Texas, uno de los personajes más lúcidos del cine actual: Wes Anderson. El equipo SurRuido tiene el placer de revisar cada una de sus películas al más puro estilo que lo caracteriza. Altamente recomendables, desde su ópera prima Bottle Rocket (1996); pasando por obras maestras como The Royal Tenenbaums (2001) y The Life Aquatic with Steve Zissou (2004); hasta su último film ya citado, del cuento infatil de Roald Dahl, del año pasado. Variados son los elementos transversales de su obra que revisarán cada uno de nuestros columnistas, como la relación de Wes con la fuente inagotable de lo infantil, la universalidad de sus historias, lo variopinto e identificables que son sus personajes, la estética de sus obras y hasta lo maravilloso de trabajar con amigos. Vean sus películas y descubran cómo nos retratan. A continuación la revisión de cada una de ellas.

Bottle Rocket (1996) 19961996Rushmore (1998) 199819981The Royal Tenenbaums (2001)

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Life Aquatic with Steve Zizou-- The Darjeeling Limited (2007) Fantastic Mr. Fox (2009)

Equipo SurRuido

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Ahí no sólo tú quieres estar dentro de la pantalla disparando contra la policía y corriendo con el botín de una joyería. También metes a tus amigos y a cada uno se le asigna un rol. El problema es que nunca eres tan cool, ni tan osado, ni tan experimentado como para que Joe Cabot te considere parte de su equipo; y olvídate por completo de que te llamen Mr. Blonde, Mr. Pink o Mr. White. La verdad es que siempre estarás más cerca de ese grupo de idiotas que, si llega al cine, sólo hará reír por un rato y pronto será olvidado.

Pero hay una pandilla a medio camino de la ridiculez y el heroísmo, de la comedia y el drama, de obtenerlo todo al final o quedarse con las manos vacías. Es la de Dignan, Anthony y Bob, los disfuncionales protagonistas de Bottle Rocket -el primer largometraje de Wes Anderson, estrenado en 1996-, interpretados por Owen Wilson, su hermano Luke y Robert Musgrave, respectivamente. En ella tú y tus amigos podrían calzar a la perfección y de seguro se sentirían los más grosos de la villa.

“Fugitivos de la ley, no es un viaje cualquiera”

Dignan, Bob y Anthony listos para ganarse el nombre de rufianes

Dignan, Anthony y Bob son tres amigos tejanos de veintitantos años,  aburridos de sus vidas planas y sin sentido. Bob vive a diario los abusos de su hermano mayor, un rucio grandote y algo nazi –apodado Future Man- que no pierde oportunidad de golpearlo y molestarlo mientras sus padres se encuentran en un eterno viaje por el mundo.  Anthony viene saliendo de una institución mental, en la que se internó voluntariamente para encontrar una solución al vacío que inunda su vida. Dignan, el más hiperventilado de los tres,  vive más en sus propias fantasías que en el mundo real y tiene todas sus esperanzas puestas en que Mister Henry, el mafioso local encarnado magistralmente por James Caan, lo llame para ser parte de su equipo de delincuentes.

Dignan -obsesivo hasta la médula- les propone que lo sigan en un meticuloso plan donde se estipulan lo que será de ellos por los próximos 50 años. Un plan que de partida los obliga a cometer un robo en una librería, sin otra intención que llamar la atención de Mister Henry y zafar del aburrimiento. Con la adrenalina a mil, un arma y más inseguridades que certezas, el asalto se convierte en una absurda situación donde las víctimas terminan insultando a los improvisados ladrones: “don’t call me an idiot, you punk” dispara con fuego en la mirada el dueño de la tienda a un sorprendido Dignan, luego de que éste lo insultara por entregarle bolsas pequeñas para meter el dinero.

Mister Henry, siempre con algo entre manos

Con el botín en su poder parten en un viaje de huida e iniciación. Ahora son prófugos de la ley, son tipos adultos que juegan como niños a ser rufianes de verdad. Terminan en un motel fronterizo donde Anthony se enamora de una mucama paraguaya, Bob los abandona, el plan de Dignan comienza a desmoronarse y la amistad a perderse. Todo esto a través de los planos perfectamente compuestos y a la exquisita musicalización de escenas, a los que terminó acostumbrándonos Wes Anderson con el resto de sus películas.

Si bien Bottle Rocket es más débil en ritmo y estructura en relación al resto de los trabajos de Anderson, en ella podemos encontrar todos sus elementos característicos, partiendo por la estética de su fotografía, sus primeros planos y sus secuencias en cámara lenta. En el guión escrito entre Anderson y Owen Wilson (se conocieron en un  curso de escritura en la Universidad de Texas y desde ahí se hicieron inseparables gracias a sus ideas cinematográficas) ya se encuentran patentes los personajes simples pero a la vez complejos, tipos con crisis de identidad y conflictos personales que siendo adultos preferirían seguir siendo niños o adolescentes; tipos a los que la edad les robó la inocencia y que no pueden aceptar esta nueva condición y que de un momento a otro te pueden hacer reír a carcajadas o que se te apriete la garganta de la emoción.

La obsesión por ahondar en la ficción dentro de la ficción también se hace presente. Si en Los excéntricos Tenenbaums Margot encarnaba esta idea a través de sus obras de teatro y en Life Aquatic se transformaba en un tema central, acá es Dignan el especialista en crear realidades paralelas a las que conduce a sus amigos, esto sin contar las confabulaciones de Mister Henry. Al final podemos entender a Bottle Rocket como la hoja de ruta de la carrera de Wes Anderson, quien apenas con 25 años ya contaba con una mirada, una voz  y un estilo propios. A estas alturas es imposible ver una de sus películas y dudar, siquiera por unos segundos, quien es el director.

“Lo hicimos, ¿verdad?”

Dignan siempre supo que no sería un viaje cualquiera

A pesar de los quiebres, la amistad (otro de los temas recurrentes de Anderson, expresado a través de clubes o de un equipo de documentalistas) se restituye constantemente entre Dignan, Anthony y Bob. Se transforman en personajes entrañables de los que te gustaría seguir sabiendo aun después de los créditos finales. Despiertan deseos de vivirlos, de conocerlos o de que al menos un amigo de un amigo conozca a un tipo como ellos.

Si con Tarantino te den ganas de cortarle la oreja a un policía mientras bailas al ritmo de Stuck in the Middle with you, con Anderson aceptarías gustoso una paliza de los policías, siempre que esté acompañada por 2000 Man de los Rolling Stone. O también dejarías hablando solo a tu mejor amigo luego de salir corriendo para tirar con la chica del hotel que te voló la cabeza, es más, tu amigo te felicitaría si en tu aventura te siguen los planos de Anderson y de fondo se escucha Alone again or de Arthur Lee. Imagínate lo que pasaría si te proponen lanzar fuegos artificiales en la carretera mientras escuchas Zorro is back de Oliver Onions.

Al final, sin importar el resultado de los planes de Dignan, la pandilla de Bottle Rocket logra vencer al aburrimiento, el vació y el desencanto. Por un momento se burlaron de las convenciones sociales que los apuntaban como un equipo de fracasados. Por eso, ante un panorama completamente adverso, Dignan puede preguntarle a sus amigos con una sonrisa en la cara y plena tranquilidad “We did it, though, didn’t we?”. Si lo llegas a escuchar, ¿podrás responderle: “Yeah, we did it all right!” (o al menos “¡sí loco, lo hicimos la raja!”)?.

Con pasta para delinquir

PD: Battle Rocket fue originalmente un corto que Owen Wilson y Wes Anderson realizaron en 1994 (para verlo clica acá) y gracias al cual obtuvieron el apoyo de la crítica en Sundace y las lucas para sacar adelante la película. El estreno en cines de la versión largometraje de Bottle Rocket fue un desastre en cuanto a público, pero su versión en video ganó fanáticos rápidamente. Como la joven promesa aún no caía en desgracia económicamente y algunos críticos con buen ojo le tenían esperanzas, Wes Anderson tuvo la oportunidad de continuar su saga con Academia Rushmore y más.

La familia y la necesidad de sentir afecto

¿Cómo definirse? Es difícil, incluso algunas veces insoportable. Encontrar un camino que seguir; uno en que cada paso sea una certeza y una confirmación. Para mí, “The Royal Tenenbaums” (2001), trata de eso, y mucho más.

La historia argumental va más o menos así: Los Tenenbaums, fueron una familia de éxito. Royal (G. Hackman) y Etheline (A. Huston), tuvieron tres hijos: Chas (B. Stiller), un genio de las finanzas en sus años de niñez; la adoptada Margot (G. Pathrow), una genio de la dramaturgia; y Richie (L. Wilson), el cual llegó a ser un gran tenista. Tras la separación –no legal- de sus padres, la familia poco a poco se va desmoronando, cayendo en una desgracia tras otra. Dos décadas después, todos los hijos de la familia Tenenbaums están sumidos en su propia tristeza; uno se vuelve maniático de la seguridad –por consiguiente alguien muy temeroso-, otro viaja errante por los océanos pensando en su hermana adoptiva, esta última pasa encerrada en el baño prácticamente todo el día. Tras algunos hechos fortuitos, los  herederos vuelven a la casa de su madre -el 111 de Archer Avenue-. Royal, en un intento desesperado por recuperar a su familia, finge estar en los postreros días de su vida. Así empieza una de las travesías más sutiles y adorables que el cine nos ha entregado en los últimos veinte años.

Actores- Personajes universales y atemporales. La verdadera riqueza de los Tenenbaums

No son solo los personajes los que van en busca de sus respuestas como individuos. O, más bien, no son solo ellos como entes de ficción los que están preocupados por su enunciación. También, el mismo Wes Anderson confirma con esta película y lleva más allá –lo que empezó con la ingenua Bottle Rocket y mejoró con Rushmore- su propuesta estética y por ende, su visión acerca de lo que debería ser el cine. El uso de los planos largos, con grúas y dollys; también, su predilección por colores fuertes y contrastados; mucha música de los 60. En fin, una estética que digiere la belleza clásica, pero siempre con un sello personal, haciendo propias las historias y entregándolas con el mayor cariño posible. Es por eso, que a mi parecer esta es la mejor obra del director, pues, es la más representativa de su estilo cinematográfico y de escritura -guión que esta hecho en conjunto con su amigo y eterno colaborador, Owen Wilson.

No es sorpresa que el equipo y mucho de los actores se han repetido el plato a lo largo de su filmografía. Ya que éste es el espíritu de sus películas, el mismo que la música de Crosby, Still, Nash & Young, por ejemplo: trabajar con los que quieres y amas, dejar de lado los egos faranduleros y simplemente entregar películas que lleguen al corazón. Es eso lo que hace a Wes Anderson, uno de los directores más sinceros de hoy en día. ¿Y de qué se trata el arte, sino de sinceridad?

Como aprender a ser un gran abuelo, sobre la marcha

Fantastic Mr. Fox

Abordar una película de Wes Anderson a pocos días de haberla visto puede implicar una subjetividad abismante. Con lo difícil que resulta separarse de ese mundo fantástico que en cada una de sus películas muestra. Fantastic Mr. Fox. como en la mayoría de sus obras, nos muestra personajes enfrentados a su existencia, hacia dónde van, y a entender su naturaleza. El cuento de Roald  Dahl, más que verlo como lectura de adultos disfrazada para niños, debe permanecer intacto en su infantilidad ya que es ahí donde se encuentra la fuente inagotable del escritor y, por qué no decirlo, de Anderson como director.

La historia comienza en el pasado. Un joven zorro espera a su amada, para realizar la caminata de vuelta a casa. Desde un comienzo se nos muestra el carácter de éste; avezado, galante, siempre optando por el camino más atractivo sobre el más fácil, un animal salvaje. The Beach Boys con Heroes & Villians de fondo. De pronto, la pareja se ve atrapada en una situación que hace peligrar sus vidas. La mujer le cuenta que está embarazada y que si salen vivos de esa, tiene que cambiar radicalmente su estilo de ser, no quiere pasar su vida al lado de un bribón.

La vida familiar frente a su naturaleza

Doce años-zorro transcurren, ya una familia conformada y el líder de ésta, quien trabaja escribiendo columnas, cree que ya es hora de surgir en la vida. Por lo que decide cambiarse de casa a un árbol frente a tres fábricas, las cuales Mr. Fox., en el pasado visitó para divertirse, robando. Acá hay un elemento clave en la obra, ya que es el instante donde el personaje se enfrenta a sus dos formas de ser; lo correcto frente a su naturaleza, su pasado frente al futuro que quiere para él y su familia. Termina cediendo en la clásica “última misión”, en donde intentará robar en un Triple Golpe las fábricas vecinas. Lo que acontece es de esperar y no es motivo de esta columna precisar el desenlace de la obra, pero coherente con las historias del director, los personajes viven experiencias que los someterán a grandes pruebas de vida y que cambiarán sus perspectivas para siempre. Una esposa decepcionada por una promesa rota; un hijo que ve amenazado su sitial con la llegada de su perfecto primo Kristofferson; y este último que cae por la enfermadad de su padre, en una familia disfuncional. Eventos críticos que, como a todos, nos cambian la vida y nuestra subjetividad.

El Fantástico y sus secuaces

El filme se transforma en una maravilla, desde su estética hasta su profunda línea argumentativa, la cual toca temas estructurales. Respecto a la primera, la animación está a cargo de Mark Gustafson, quien junto al delicado trabajo de cámara de Anderson y su equipo, logran a través de la técnica de Stop Motion, un resultado inigualable en aspectos como tomas, colores logrados, movimiento e iluminación, en una mezcla perfecta entre lo innovador y lo clásico. El estilo del director se mantiene intacto, independiente de si su imaginario se aplica a personas reales o animadas, su visión trasciende la técnica. Más precisamente, su visión es su técnica.

En argumento, la historia es sólida en la medida que aborda lo estructural, lo que a todos nos pasa. Desde el amor al deseo, de la cultura a la naturaleza, numerosos son los factores con los que astutamente el genio detrás de los Tenenbaums (2001) logra volver su cine tan fácilmente identitario, sintiendo que sus historias nos tocan. Sus personajes son surrealistas, casi irreales, pero incluso cuando estos sean animaciones, sus historias logran conmovernos porque logran mostrar la misma fragilidad a la que están expuestas nuestras vidas. En cualquier momento un evento aparece y pone nuestro mundo de cabeza, todo lo que creíamos tener controlado se nos escapa de las manos y nos vemos inmersos en una parte de nuestra historia que cambiará lo que nos quede de vida.

Wes Anderson sigue nutriendo de talento una filmografía que el paso de los años lo volverá -sí que lo es- un referente de nuestra época.

The Darjeeling Limited

Escribir acerca de un trabajo de Wes Anderson  inevitablemente es una forma de ponerse en juego, si bien las situaciones que nos presenta este cineasta -uno de los más lúcidos de nuestra actualidad- son en su mayoría disparatadas o fuera de una realidad de la que podemos dar testimonio; se transforman en caricaturas de nuestra existencia que junto a sus surrealistas personajes, no hacen más que provocar en el espectador una identificación mucho más profunda, que atraviesa el discurso común o incluso la imagen que tenemos de nosotros mismos.

Ver a tres seres humanos sumergirse en un viaje espiritual de tal magnitud genera una empatía que trasciende los hechos que determinan la historia, hay algo innombrable de la experiencia que es más importante, algo que necesita quedar o escaparse de los dominios del lenguaje, como intenta explicarnos el director a través del discurso de la madre de los hermanos.

Adentrémonos un poco en el argumento de la obra. La historia parte con el tren en marcha. Los Whitman, motivados por su hermano mayor Francis, emprenden un viaje que pretende reparar heridas del pasado, representadas particularmente en tres conflictos: la muerte de su padre, la separación y desinterés de la madre, y lo lejano que se sienten entre ellos, hace ya un año que no se ven. Para este reencuentro consigo mismos definen un itinerario, visitar distintos lugares espirituales que puedan ayudarlos a reencontrar lo perdido,  embarcándose para esto en el Darjeeling Limited, tren que pasa de ser un simple medio de transporte al gran escenario del largometraje. Es ahí donde se manifiestan y desenvuelven la mayoría de los conflictos, representados metafóricamente en la gran cantidad de maletas familiares que llevan consigo y que al final se nos muestra, en una de las escenas mejor logradas, un desenlace muy relacionado con la “descarga”, en las ya clásicas escenas en cámara lenta de Anderson.

Escapando del pasado, en busca del espíritu

En el viaje, siempre están en busca del espíritu, de recuperar algo. Pero si alguna lección intenta dejar este periplo es que más que existir una receta o un lugar específico al que podamos acceder para lograrlo, este se presenta de las maneras y formas más inesperadas. Como lo que ocurre a la orilla de un río, en donde los tres hermanos de forma fortuita se encuentran frente a la muerte de un niño ahogado que no pueden salvar a pesar de sus intentos, reviviendo de manera inesperada y de forma más latente un duelo que aún no lograban sanar. El director hace esto aún más explícito en el momento de pasar de la escena en que ellos se dirigen a la ceremonia del niño, a aquella de los momentos en la carroza que los conducirá al funeral de su padre, al cual su madre no asistió. Después de esto, se percatan que más que la muerte de su padre, lo que verdaderamente les duele es que su madre no haya asistido al entierro, cayendo el ideal de familia feliz que algún momento tuvieron y que nunca más se recobrará. Es por esto que deciden cerrar el capítulo de la forma que creían correcta, concretar la idea oculta de Francis de ir a ver a su progenitora que se encuentra en un templo, destino final del tren del cual los echaron por numerosos desmanes causados. Finalmente una parada necesaria, el espíritu no se busca, se encuentra.

Rezando cada uno a su propio dios

Además del potente guión e historia que nos presenta el film, hay un elemento que a mi consideración no es posible cansarse de destacar en los trabajos de Anderson: la estética de sus películas. Tan cuidadosos planos, escenas magistrales, ¡los colores! Tomados pareciera, de la mismísima carátula del albúm Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, quizás por eso la fascinación del director por la cultura de la India y su tan colorida estética, como podemos apreciar en algunos filmes anteriores como The Royal Tenenbaums (2001) o The Life Aquatic with Steve Zizou (2004) en donde aparecen personajes del país oriental.

Wes Anderson, mente brillante de la cinematografía actual -por algo sus films se encuentran dentro de la Criterion Collection- nos entrega esta nueva joya del cine actual, que sin dudas será valorada a medida que pasen los años. La belleza de sus imágenes por sí sola conmueven. Cala hondo en quien logra empatizar con los magníficos personajes y sus historias que nos representan a todos.