Piensen en Adrian Belew como en el John Cazale del rock histérico de fines de los setenta y parte importante de los ochenta. Una guitarra inconfundible, angulosa, ultraterrena, rara, sobre todo muy rara. Desde que Frank Zappa vio al joven Belew tocando en un club de mala muerte allá por el 76, éste se transformó en el traductor idóneo para plasmar la paranoia de discos que definieron la reconversión del rock, llámele new wave, funk, afro, experimental, en fin, lo que fuera.

Su primera experiencia importante junto a un nombre de peso, Frank Zappa, duró poco. Simplemente los egos acerca de quién toca mejor o más rápido llevaban todo por un camino inútil y absurdo; la música de Zappa, admitámoslo, no tiraba por entonces del carro del mundo pop como sí lo había hecho una década atrás. Y es aquí donde el olfato de Belew, una de sus grandes virtudes, lo llevó a acercarse a la olla donde se cocían las revoluciones más notables de la época; aparece Bowie y éste simplemente le dice, Adrian necesitamos guitarras extrañas, no más solos de blues o hard rock, sino algo que refleje el sentir de un yuppie nihilista electrónico que pervivía en el cierre de los setenta. En fin, vino Lodger, vino Scary Monsters, Bowie feliz y Belew listo para nuevos retos. Aparecieron Eno y David Byrne, con el delirante Remain in Light en mente: funk robótico, tribalidad gélida; poliedros y más poliedros. Y otra vez es Belew el que convierte su guitarra en un instrumento de posibilidades casi totales. Un auténtico alquimista en medio de un álbum de memoria permanente. En medio de este torrente, Belew se da tiempo de grabar su primer y hasta hoy mejor álbum, Lone Rhino, divertimento dadaísta y de pop fracturado con, claro, muchas referencias a sus recientes e ilustres compañeros de aventuras. Y los brujos locos siguen detrás del plasmador de insólitos. Robert Fripp, en busca de trasladar por enésima vez a King Crimson a un campo de trote y alerta, recoge a Belew y le propone ser voz y complemento perfecto de una trilogía magnífica: Discipline, Beat y Three of Perfect Pair. ¿Demasiada colonización para apenas siete años de carrera en la primera división de la música inquieta? Muy probablemente.

El próximo seis de agosto, Belew se presentará en Chile en el Teatro Nescafé de las Artes y, debemos insistir, no es el virtuosismo lo que realmente cuenta. Esto no es una exhibición de velocidad de dedos y bienvenido que así sea. Ver a Belew es tener en cuenta la guitarra que estuvo una vez en Look Back in Anger, en Crosseyed and Painless, en Undiscipline. El hombre de los tiempos, de la agitación necesaria, un condiscípulo y cómplice inmejorable. Amante de la torcedura y la imprevisión. Un enajenado encantador.

De acuerdo, a mí también me parecen geniales Trout Mask Replica (Captain Beefheart) e Y (The Pop Group). Pero no necesito que me apuren demasiado para elegir la música que preferiría escuchar para refocilar mi espíritu y convencerme de la necesidad de apostar por más. Sí, es una canción, una irrefutable, como las de Paul McCartney, las de Ray Davies, las de Brian Wilson, en fin, ya saben de lo que hablo. Y, claro, detrás de los colosos, viene no muy lejos de ellos, Neil Finn, el hombre de Crowded House.

Hay nuevo disco de Crowded House, Intriguer, y es tan magnífico que sin hacer nada, aquí sentados pierna arriba, cada dos o tres años, él vuelva con diez o doce canciones que ponen los pelos de punta. Puede ser junto a su hermano Tim, a modo de Finn Brothers, o con su banda madre, ésa que partió hace ya casi treinta años en Auckland, Nueva Zelandia.

Es notable este regreso, además, porque Neil Finn pasa por el mejor momento de su carrera: desde Everything is Here, 2004, disco firmado junto a su hermano, las cosas se han puesto muy serias. Es el envejecer, la calma de la madurez, un cierto toque otoñal, lo que ha transformado el pop, perdón El POP, de Neil Finn en algo sublime y con pasta de clásico. El 2007 sorprendió con Time on Earth, un álbum apesadumbrado por el reciente suicidio de Paul Hester, baterista fundador de Crowded House. El disco fue un magnífico réquiem por un compañero y un regreso tan apropiadamente producido, arreglado, que no sería desproporcionado compararlo con lo mejor que Paul McCartney ha firmado en los últimos años, específicamente Chaos & Creation in the Backyard.

Y ahora, hace algunas semanas apenas, tenemos entre nosotros a Intriguer. Y donde sea que se pinche el álbum, el corazón precipita sus movimientos. Las melodías están de nuevo donde corresponde, en medio de la elegancia y el pausado desenvolvimiento finniano, una especie de Ray Davis con más bondad y menos cinismo. Escuchen, por ejemplo, Twice If You’re Lucky: “Breathe it out, I can hear you now, You think reality’s shut you down/ And you’re locked away Where you can’t get out/ Spent awhile on your back/ But you know what it means to me, babe/ In the course of a history, hey It all makes sense to me somehow And it’s not what it used to be, no/ We’re suddenly free to let go And look what’s happening now”.

Justo antes de dormir, uno debiese pensar en Neil Finn o en Nick Lowe y así sería bastante más fácil conciliar el sueño. Gente que sabe hacer bien su trabajo, tipos sencillos que se encargan por nosotros de nutrir a la realidad del preciado combustible de la belleza, que absurdamente nos encargamos de hacer trizas día tras día. El mensaje es sencillo, parece decir Finn: todo está lo suficientemente estropeado, ya lo sé, pero mira, no estaría tan fuera de lugar que lo intentaras una vez más, quién sabe, ésta puede ser la ocasión, la tan ansiada. “You will love this one, You will love this one, As if we create something magical, honey. There are times that come, These are times that come, Only once in your life or twice like mine”. Bienvenido Neil, por enésima vez, volviste a levantarnos el pecho.

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En función de esta nueva agenda es que desde el año 2000 las actividades curatoriales del Taller se han centrado a problematizar la dupla local/global implementando un programa de exposiciones, encuentros y propuestas de asociatividad con artistas, teóricos, curadores, colectivos y espacios culturales regionales y extranjeros.

Dentro de este contexto, se estableció un diálogo con los artistas polacos Adam Klimczak y Jerzy Grzegorski gestores, creadores y directores de la galería independiente Wschodnia, ubicada en la ciudad de Lódz, Polonia. Ellos, además, participan de la organización de la Bienal de Lódz en conjunto con el Museo de Arte Moderno de Polonia. Ambos artistas al conocer el trabajo del Colectivo Caja Negra y constatar las similitudes en los modos de trabajar se interesaron en realizar una actividad en su espacio de exposición y en compartir la experiencia colectiva con los agentes culturales de Lódz y sus alrededores.

La galería Wschodnia fundada en 1981 es conocida por mantener vigente la mirada crítica de la vanguardia histórica Polaca (1919-1939), y en la actualidad por ser un espacio autónomo e independiente abierto al intercambio de ideas, proyectos, experiencias e informaciones sobre el arte más progresivo y experimental. Este enfoque ha hecho también, que la galería Wschodnia sea reconocida como uno de los lugares importantes en la recomposición del espacio político-cultural del noreste de Europa y en una plataforma de conexión y encuentro entre los artistas de esta zona con los centros artísticos de Berlín, Londres, Amsterdan y Viena.

La invitación a participar en el encuentro es una excelente oportunidad para continuar con varios tópicos de la agenda de proyectos propia del Taller:desarrollar desde un ángulo geopolítico los procesos de internacionalización cultural por medio de una mirada mas reflexiva y ajustadas al contexto nacional. El segundo, se refiere a establecer redes de asociatividad y conectividad con espacios culturales emergentes e independientes, este punto será reforzado con la llegada del artista polaco Arkadiusz Sylwestrowicz a Caja Negra durante el mes de septiembre de 2010, quien realizará charlas, encuentros y su propuesta visual durante su estadía en Chile.

Tyrannosaurus Rex - Unicorn

Antes de las plumas, caras maquilladas y pantalones de cueros, características del ícono Pop en que se convertiría Marc Bolan (inspirado en el arte de Andy Warhol), existió una etapa anterior a T. Rex, conocidos  por su aporte fundador al glam rock. Mucho más folkie, cercano al Lo-fi y con el nombre de Tyrannosaurus Rex, Unicorn (1969), es su mejor disco de los 60s, que siempre será un placer revisar.

Un Marc Bolan sesentero acompañado de Steve Peregine Took en percusiones y voces, capta la escencia del folkie de la época y entregándole su propio toque místico, por la literatura que acostumbraba a leer, conforma una obra imprescindible del folk inglés de los 60.

La historia cuenta que al verse en problemas ecónomicos, Took vende su batería para sobrevivir, solo quedándose con unos bongos y una guitarra acústica, que se transformarán en el perfecto ambiente presente en esta producción folk psicodélica.

Un comienzo increíble con Chariots of Silk (Carros de Seda) que anticipa lo que viene, un disco de grandes canciones, a pesar de que su coherencia canción tras canción, nos muestra una obra sólida, que grafica un momento musical y espiritual particular de Bolan . Mundos de hadas y duendes eran su vida por entonces.

Bolan junto a su compañero "Peregrine" Took

Momentos como The Throat of Winter (La Garganta del Invierno), una canción triste, que alcanza hasta un tenor cincuentero, sin atreverme a ahondar en ese aspecto. Acompañado de un tono grave, Bolan le canta al invierno preguntándole “si no es un sirviente del Malo” por la desgracia que le trae (Are you but a servant of the bad one?). Unas pistas invertidas dan paso a CatBlack, con un gran coro sigue el tono fantástico del disco. Stones of Avalon, resalta un elemento fundamental  de la obra, como es la influencia de la música hindú , que se mezcla de manera sorprendente con la raíz inglesa del autor. She was born to be my Unicorn, una frase hermosa que da en cierta medida el nombre al disco, una progresión de acordes que solo cambia para dar salida al tema con Bolan cantando acerca de bestias, gigantes y unicornios. Otros grandes momentos (todos lo son) son canciones como The Sea Beasts, Iscariot, Nijinski Hind. Todas dentro de un sónido, tras quien se encuentra la producción exquisita de Tony Visconti (productor de David Bowie),  que hasta la última canción aporta para entender el imaginario en el que se encontraba Bolan.

Marc Bolan murió trágicamente en un accidente de autos, dejando un legado impresionante para la temprana edad en que partió, 29 años. Desde el año 68 en que debutó con Tyrannosaurus Rex, no paró de editar discos cada año hasta su muerte. Su relación musical con artistas de la talla de Bowie, Dylan o Donovan, dan cuenta de un común origen Folk o acústico por lo menos, de quienes serían grandes estrellas de la historia de nuestra música Pop.

Ya son 40 años de una música impecable, de un derrotero ejemplar, y el vigor sigue intacto, tan así, que han lanzado un nuevo álbum, Con los ojos en la calle; qué título tan atinado para definir lo que ha hecho la banda: salir y observar, tomar apuntes de cómo caminamos, de cómo lloramos, de cómo conversamos una cerveza, usted, el lustrabotas, el suplementero, la gente que se sube y baja de una micro cargando historias de un peso feroz.

Siempre han sido los mismos, a pesar de que los asistentes del hemiciclo han cambiado varias veces, sin que los sustitutos destiñan; pero siguen los congresistas mayores: Sergio “Tilo” González y Francisco “Pancho” Sazo. El primero, un compositor impresionante, con ya treinta años al mando de la nave; Sazo, algo que podríamos llamar un acólito republicano. Y entre ambos, manejan y tejen el milagro. Una música sin timidez, gentileza del Tilo, que bebe del pop, del jazz, del rock, de lo docto, y del folclore latinoamericano, sin perder la identidad y el gesto propio. Y Pancho, un gentilhombre que habla de un Chile que echamos de menos, con cadencia, elegancia y dignidad, gustoso del chiste paradójico y del detalle que a veces da escalofríos, como cuando nos comenta que una canción del nuevo disco llamada N.N habla de un indigente al que unos imbéciles le quemaron los pies muriendo poco después en la asistencia pública.

Congreso fueron grito de revolución en los primeros setenta; espíritu se sobrevivencia en los años más horribles de la Dictadura; soplo de rebelión en los ochenta; entrecejo atento a las vicisitudes de un desarrollo con más dudas que certezas, en los noventa. Hoy, la confusión no se los lleva por delante, y la lucidez no decae.

Y el nuevo disco es un gran repaso del ideario de la banda. No hay novedades, y por qué habría de haberlas; el mismo Tilo ha reconocido que el grupo navega ahora por aguas tranquilas. Hay muchas historias tristes, entrañables, atroces y desopilantes. Y hay una música que no cansa; que se cuela con esa tan indispensable cuota de humanismo auténtico, de búsqueda libertaria más allá de cualquier fin ideológico, y de defensa de algo que no se puede perder de vista: la vida está ahí, en la calle, a nuestro lado, simple y vibrante, no en la fatuidad grosera que nos quieren hacer tragar día a día. Viejos y queridos amigos, que estos regresos no cesen nunca, su música es albergue y vuelo. Gracias y hasta muy pronto….

Fother Muckers cuenta ya con tres álbumes y un EP, el más reciente Si no tienes nada que decir, entonces calla, muestra a un grupo que a pesar de tener bastante claro qué tipo de canciones gustan de componer, deparan interesantes sorpresas; como Buscando Oro, el dub que cierra el disco de forma inesperada y notable con una estribillo rotundo “No me importa si al final me quedo solo o si se olvidan de mí; yo los dejaré y me iré buscando oro, así lo decidí”. Están Jessica y Meteoro, temas que de distinta forma exhiben el credo Muckers no se estanca. Y en esto se basó principalmente el concierto que la banda ofreció el pasado miércoles 23 de junio en la sala SCD del barrio Bellavista.

Es difícil expresarlo pero quizá un valor agregado de la propuesta de la banda sea un acoplamiento con cierto componente idiosincrásico. Quizá resida en la interpretación, en la levemente desafinada y ronca voz de Cristóbal Briceño, o en sus videos, llenos de plazas públicas, canchas de fútbol y poblaciones. En fin, el cuento es que Fother Muckers son algo así como los Beat 4 de los años dos mil: una banda sin duda influida por el rock anglosajón, pero que juega con éste e intenta infiltrarlo de una mirada local y desaflojada. Y esto, cuando una parte no menor de la escena parece una copia con suerte correctamente imitada, es un mérito. Quizá a Cristóbal Briceño se le pasa un poco el punto en lo parlanchín y de ser un despreocupado y chispeante cronista del Chile diario se torna de a poco en innecesario. Pero bueno, el regodeo hay que dejarlo a un costado.

Fother Muckers pasan por un buen momento. Su sonido, que a veces se sustenta en tres guitarras, es cada vez más consistente, sus canciones son lozanas y diversas dianas pop y, lo mejor de todo, su desaprensiva puesta en escena, su recatada expresión de ego, hace que su música y por sobre todo la existencia del grupo sean un bienvenido don por estos días. Como ellos decían en una canción propia Que vivan los Fother Muckers.

La elegancia corrosiva de Pituquitos por el lente de Victoria Soto

El ya reconocido sello independiente Discos Tue Tue, cuyo centro de operaciones se encuentra en Valdivia, sigue en marcha y marcando nuevos hitos. Esta vez con la edición en vinilo del disco de estreno de Pituquitos, banda integrada por Srta. Pésima, Pierre Burdel y Vaniv X, quienes apelan a un sonido que reúne algo de Rock, Punk bohemio y Rock Ecléctico Minimalista -según sus propias palabras-, y a una cuidada estética y puesta en escena.

Formados en 2002, luego de ocho años llega su primer disco, “Se que me voy a quemar”, y el lanzamiento lo hacen en grande, ya que además de la edición en vinilo contarán con una versión en cd y otra descargable desde Portaldisc.com. Para festejarlo ya tienen anunciadas tres fechas en Santiago: jueves 1 de julio en SCD Bellavista, viernes 2 de julio en Estudio Elefante y sábado 3 de julio en Club Mist.

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El comunicado oficial de Discos Tue Tue reza así:

Discos Tue Tue se enorgullece en anunciar el lanzamiento de “Sé que me voy a quemar”, álbum debut del insigne trío valdiviano Pituquitos.

Srta. Pésima, Pierre Burdel, y el violento baterista Vaniv X han registrado un compendio de rock, punk, blues, dramaturgia, tabaco, cabaret, y ecléctica y psicótica bohemia, con 12 tracks (11 en formato vinilo) de rabiosa intensidad. Su primer sencillo – homónimo – ya suena en radios, y además cuenta con un entretenido videoclip, dirigido por Eduardo Bunster.

El disco fue grabado en los sureños estudios Abedul, por Pablo Mura; y masterizado con especial dedicación por Joaquín García, para maximizar la calidad en sus tres formatos de edición: cd, postal de descarga Portaldisc.com y flamante VINILO !!

Sí, el primer disco en el clásico surco editado en el Sur chileno, en más de 25 años (suponemos?).
Para presentar en vivo esta magna obra en La Ciudad Capital, Pituquitos ha producido tres recitales seguidos, el 1º, 2 y 3 de julio, cuyo detalles indicamos a continuación.

Como en SurRuido estimamos que este es el manso ni que evento, regalamos entradas para cada una de las presentaciones. Para más información y participar en los sorteos sigue los links que vienen a continuación:

• Pituquitos + Los Perros del Ritmo / Sala SCD Bellavista, jueves 1º de Julio
• Pituquitos + Los Sudacas / Estudio ELEFANTE, Viernes 2 de Julio
• Pituquitos + Ramixes + Los Chinches / Club MIST, Sábado 3 de Julio

Bueno y si quieres algo más, postea acá, dejando nombre y correo electrónico y podrás ser el ganador de una copia del cd “Se que me voy a quemar” de Pituquitos.

En vinilo, cd y formato descargable será lanzado el primer disco de Pituquitos

Felipe Ruz (voz, guitarra y teclados), Sebastián Orellana (voz, bajo y guitarra) y el mítico Iván Molina (batería), son el trío que compone Philipina Bitch, una de las últimas revelaciones del bullante Concepción. En 2006 aparecieron en la escena penquista como dúo (Felipe y Sebastián) y con una grabación casera de sus primeras composiciones. Eso les bastó para llamar la atención del ex Santos Dumont Iván Molina, quien por ese entonces preparaba la creación de su propio sello: Discos Tue-Tue. Cuatro años después, con Iván Molina completamente integrado al grupo y con cuatro discos editados, Philipina Bitch tiene a Santiago como su centro de operaciones.

“Desde un principio nos sentimos bien acogidos acá en Santiago. La primera vez que tocamos acá sentimos una energía bien especial, como una conexión inmediata con el público. Además las otras bandas han sido súper buena onda con nosotros y entre todos nos ayudamos”, declara Felipe y agrega: “igual ha sido difícil venirse a Santiago, porque además de trabajar por el grupo estamos en la edad en que uno empieza a independizarse, entonces estamos con doble presión”. Por ello la consigna ha sido “tocar, tocar y tocar”, y este mismo sábado 26 de junio los tendremos en La Cantera de Valparaíso (acá sorteamos entradas). El resto del plan contempla crear sin limitaciones y trabajar duro del lado de la autogestión, como aseguran lo han hecho hasta el momento.

Philipina Bitch en su primera presentación en SCD Bellavista

¿Cómo ha sido trabajar de forma autogestionada? ¿qué experiencias han obtenido?

Felipe: Bueno, eso es algo que le debemos completamente al Iván (Molina). Él nos ha apoyado desde el principio y nos he enseñado a trabajar de esta forma.

Sebastián: Además igual es algo que se ha dado de forma lógica. Partimos grabando en la casa porque nos conocemos desde hace años, desde tercero básico que somos amigos y siempre hemos tocado juntos. Antes con otros amigos y en otros proyectos, pero siempre estuvo Philipina. Ensayábamos donde el Felipe y un día decidimos lanzarnos y hacer las cosas a nuestra manera, así que grabamos en la misma casa y nos gustó hacerlo de esa forma.

¿Cómo ha resultado la incorporación de Iván Molina a Philipina?

Felipe: A Iván lo conocemos desde el 2007 y ha sido un gran aporte para nosotros, ha sido como un maestro en todo esto y nos llevamos súper bien.

Sebastián: con el Iván se dio una muy buena dinámica. Al tiro agarró lo que tenemos y nos siguió el paso. No hubo que decirle ni explicarle nada, se acopló de inmediato, lo que igual es mejor porque es más libre. Como no tenemos que explicarle lo que queremos no le ponemos limitaciones, así todos somos más libres y vamos más allá con nuestra música, vamos creando todos.

Cuando partieron con Philipina Bitch, ¿cómo era el ambiente en Concepción, cómo era la generación de ustedes?

Felipe: Era una generación de mierda, jajajajaja. La verdad es que del colegio igual sólo saco re pocas cosas buenas. Una de ellas es haber conocido al Seba y haber armado a Philipina. La otra es el Vadim Strika, quien nos hace todo el arte de las carátulas y afiches de nuestras tocatas.

Lo que la llevaba en esa época, al menos para nosotros, es el Centro Cultural La Escalera. Ahí se comenzó a juntar mucha gente en la misma onda que nosotros, y de todo: había músicos, pintores, gente que hacía teatro, todos muy movidos. Ahí tocamos por primera vez, nadie nos conocía pero igual llegó caleta de gente, se llenó como nunca esa vez.

Sus discos han salido adelante con el aporte de fondos culturales del Estado, ¿cómo ha sido trabajar con ellos?

Sebastián: Si no hubiéramos tenido el fondo no sé si hubiéramos podido sacar el disco. En ese sentido fue una gran ayuda, porque, aunque ya tuviéramos la grabación, para sacar un disco necesitas remasterizarlo, la carátula, distribuirlo y un montón de cosas que no podíamos hacer solos.

Y los cambios a la política cultural que se proponen hacer en el gobierno de Piñera, ¿qué les parecen?

Felipe: Depende de los cambios que se hagan, y esperamos que no sean para mal. Hasta el momento no se ha visto mucho, sólo se dijo que las asignaciones iban a hacer democráticas, como de votación popular, pero eso no se puede porque igual debe haber gente especializada ordenando los fondos.

Sebastián: lo único que hemos visto es el logo nuevo del gobierno, y bueno, nada que decir pues, jajajajajaja.

Gira al sur profundo

En febrero pasado Philipina Bitch se la jugó con un ambicioso proyecto: una gira por el sur del país, que recorriera desde Santiago a Puerto Montt, pasando por Osorno, Pangupulli, Lanco y Río Bueno. Varios de ellos eran lugares completamente alejados del circuito tradicional de bandas, por lo que la apuesta era arriesgada a todas luces. En el periplo los acompaño Fernando Milagros y según cuentan sus protagonistas fue una experiencia completamente positiva. “Nos fue súper bien, varios eran lugares donde nunca habíamos tocado y fue una sorpresa para nosotros tocar ahí”, asegura Felipe Ruz.

Es por ello que en octubre próximo emprenderán nuevamente el viaje por la carretera, esta vez en compañía de Perrosky. Y según Felipe el panorama es bastante optimista: “Como ya la hicimos, esta vez no será tan difícil”. Junto con la gira, para lo que queda del año prometen tocar constantemente, tanto en Santiago como en otras ciudades.

Y en esta fecha, la del viernes 11 de junio, Quinteros demuestra que Los Días Santos es otro disco que habrá que escuchar con atención. Primero, hay un giro: sus canciones recuerdan un sector grato del Indie ochenteno, Smiths o Woodentops, por nombrar un par de bandas señeras: rockabilly y vestigios new wave que su banda sabe cada vez interpretar de mejor forma. El recital del viernes pasado en la sala La Bodega fue de hecho un mejor acercamiento que el ofrecido hace algunas semanas en el Bar Loreto.

Ya rota en las radios Cheerleader, primer sencillo del álbum. Y, al escucharlo solo un par de veces, sentimos que no acusamos un golpe importante como en su momento fue escuchar Invisibilidad o Fiesta Pagada; canciones que acoplaban tan saludablemente letras inquietantes y música de un clasicismo maduro Habrá más oportunidades, desde luego. Una canción para recordar: Nuestros Sábados. De estribillo memorable.

Sobre todo, lo más relevante de estar en un recital de Quinteros es constatar la gran cualidad de su música: su consistencia, su dirección casi siempre apropiada y de abundantes recursos. Quinteros no es un gran frontman, la empatía no es quizá su fuerte; pero compensa con creces este mentis con su estimulante propuesta. Se rodea de los músicos idóneos, qué bien Felipe Cadenasso en guitarra, y conoce con suficiente sapiencia de qué va esto de hacer canciones pop. Parafraseando una de sus canciones, Leo, es un placer volverte a ver.

Fotos: Jorge Bravo De la Carrera

El pasado sábado cinco de junio, Cadenasso –que no es otro que Felipe, el de Matorral, usando su apellido-, lanzó su primer disco solista, El Movimiento. Un álbum que ya daba vueltas desde diciembre de 2009, con Convicción como primer corte.

¿Qué nos ofrece Cadenasso? Es interesante su propuesta porque su visión folk prefiere centrarse en las armonías, en la arquitectura, más que en las melodías; tal vez no por carencia de mejores armas, sino precisamente como un motivo de búsqueda y estilo. Y he aquí una diana anotada. Su puesta en escena logra muchas veces una estimable sutileza y cualidad orgánica. Recordemos que lo acompaña como banda estable Leo Quinteros en un dosificado y profundo piano- quien también ofició de productor del disco-, Bernardita Martínez en un apropiadísimo contrabajo, y Gonzalo Planet –compañero de Cadenasso en Matorral, en percusiones, guitarra y bajo, ocasionalmente. Y en un clima de cuidada evocación, Cadenasso entrega en diversas ocasiones una sensación de espectrales reminiscencias urbanas. Su música se esconde en piezas y salones de ciudades de baja frecuencia, de andar cansino y tiempo suficiente para un té, sopaipillas pasadas y añosos álbumes de fotos. Construye imaginerías de ocasos perdidos y juegos inconclusos en la plaza de la esquina.

Lo que constituye la gran noticia de El Movimiento es precisamente su control y vocación por no agotar una vez más el cliché. Comparte y reparte aguas y créditos. Sus canciones, que a veces parecen letanías o mantras tan familiares en la historia de nuestro folclore, inmediatamente buscan otro techo bajo el cual guarecerse y así evitar miradas gruesas.

Lo dijimos en diciembre y lo decimos ahora: El Movimiento es un disco valioso que desde ya se apunta en la parte de alta de los lanzamientos chilenos de la temporada. Y que este ensueño vespertino invernal nos espere en la siguiente parada del tranvía de las cinco.

Fotografías: Rolando Millán