¿Cómo enfocaste la concepción del diminutivo del frío?

Sí, fue bastante consciente el querer hacer algo diferente. Tenía una serie de sonidos nuevos en el sintetizador. Antes grababa de forma más precaria y poco a poco los sonidos de teclados han ganado espacio en lo que hago, después de años de escuchar música. Intenté, por decirlo así, ampliar la paleta y en el camino dejé de lado un disco más tradicional, de guitarras. Como no se complementaban, no me la pude, así me decidí por uno de ellos. Todas las canciones que cumplían con esa estética de sintetizadores, teclados, la puse en este disco.

¿Cómo fueron apareciendo las canciones justas para este disco?
La primera fue el pájaro y el nido, que me recordaba cosas muy antiguas mías, que tenían que ver tal vez con Spinetta, con Charly García; tenían más presencia de máquinas e inmediatamente quedaron fuera de la línea de aquel hipotético disco de guitarras Partí jugando y se abrió una ventana hacia un nuevo disco; varias canciones partieron más espontáneamente, con una guitarra y después en el computador, programando. Son métodos bien diversos por los cuales llego a la canción.

Mientras grabas tus álbumes, ¿cuentas con el apoyo de alguien más?
Primero que nada, me encargo de ser mi propio productor. Trato de grabar los discos por mi cuenta. Al tocar en vivo me apoyo de otros músicos, donde ellos aportan más de lo que aparece en el álbum pero siempre bajo mi supervisión.

Hace algunas semanas leí una crítica del periodista David Ponce sobre uno de tus discos anteriores. Él sostenía que algo que caracterizaba tu música era el evitar ese orden natural de estrofa-estribillo, y que por tanto perseverabas más en las armonías.

No estoy tan de acuerdo. Siempre busco el estribillo, claro trato de rebuscar un poco la llegada a ese estribillo.

Por ejemplo, pensaba en Historia de terror, que tiene una estructura muy circular, que evita de alguna forma ese juego con el estribillo.
Sí, pero alcanza un peak cuando sube de tono, como donde dice “los discos de los pisos”. Cambio de tono, busco algo nuevo, pero siempre trato de lograr una melodía recordable; soy bastante ordenado en esto. No busco hacer nada muy raro o rupturista sino darle un poco la vuelta la estructura y los arreglos.

Un asunto interesante en tus discos, fuera de la preponderancia de teclados y programaciones, es la variedad de los arreglos. Historia de Terror me recuerda a Burt Bacharach.

Sí, no lo había pensando pero ahora que lo dices puede ser. Me encanta el disco que Bacharach hizo junto a Elvis Costello. Debe haber algo de ese disco que me ha marcado mucho y siempre quise hacer algo similar.

¿Piensas mucho en hacer algo similar a tal o cual referente?
No, en general me parece un mal que se debe erradicar. Quizá lo mejor que uno puede hacer es tener como referente sus propios trabajos anteriores.

¿Qué grandes diferencias hay entre El Diminutivo del Frío y tus discos anteriores?
Las canciones son más concisas. Introducción a la Geometría nació en la sala de ensayo y a la distancia veo que algunas canciones se alargaron muchísimo pero bueno ya está hecho. En Diminutivo hacia canciones que ni siquiera superan los tres minutos, y el álbum completo dura 38 minutos, y me preocupé de que no tuviera más canciones de la cuenta. A propósito, me reí muchísimo con la gente que se quejaba de que el último disco de Radiohead era muy corto por durar 37 minutos. ¡Si es lo más normal del mundo! En los ochenta y antes todos los discos duraban eso. Volviendo a mis discos, creo que Introducción era un poco más romántico, luminoso; mientras que, en cambio, Diminutivo es más oscuro, críptico, quizá no tan comprensible a la primera oída. Historia de terror, por ejemplo, se inspira en el terremoto y le dio un aura un poco pesimista, fruto de lo que fue el 2010 para nosotros.

Sobre tus letras, ¿te inspiras en la realidad para tus letras? ¿Te preocupas de la contingencia o son experiencias eminentemente personales?

Trato de mantenerme informado, pero no me gusta demasiado que aquello permee mis letras aunque, como en Historia de Terror, a veces ocurre. Estaba en Concepción mientras ocurría el terremoto, y vi una ciudad colapsada y creo que esto marcó el ánimo del disco. Ahora bien, hay letras que escribí hace ya varios años y de hecho, algunas canciones como en el caso de Estábamos Unidos de América simplemente pegué trozos de letras distintas.

¿Cómo hacía Spinetta en Artaud?

Sí, quizá, buscando que adquiriesen algún sentido dentro de ese collage. Siempre estoy haciendo anotaciones que después ocuparé. Rara vez las letras surgen de forma espontánea.

Es destacable tu asidua producción de discos. Si no me equivoco, ya llevas siete álbumes desde el 2004. ¿Se relaciona esto con una especie de disciplina autoimpuesta de componer y grabar permanentemente?

No, sucede que antes tenía más tiempo, justo al salir de la universidad. Ahora ya no lo tengo así que privilegio la creación espontánea lo que me hace valorar mucho más mis canciones actuales. Te digo que hace seis meses que no compongo una; se acabó la época fértil.

Leí en una entrevista que Nick Cave iba todos los días a una oficina para componer canciones de nueve a tres de la tarde.

Me encantaría hacer algo así, pero tendría que dejar de tocar por varios meses; y yo me dedico a esto. Ojalá en algún momento pueda abocarme a escribir con tiempo, producir demos con calma, grabar, en fin.

¿Dónde grabaste el disco?
En mi casa, también en una cabaña en el sur donde estuve un par de días. Algunas cosas las hice en casa de un amigo en Buenos Aires, donde se pudiese; nada fue muy metódico. La mezcla tomó algo más de tiempo.

¿Cómo es tu forma de insertarte en el escenario de la música chilena? Haces un intensivo uso de las redes sociales y has hecho giras por Argentina, por ejemplo.

No sé cómo llegué a esto. Recuerdo que en el 2005 subí mis primeras canciones a la red en formato de podcast; en esa época no existía tan masivamente la descarga de discos de Internet. Sí, había programas como soulseek, p2p. No te servía de mucho tener tus discos en soulseek si carecías de una introducción así que la difusión, salvo por amigos, era prácticamente nula. Después abrí un my space, que para el 2006 era una red conocida al menos entre músicos. No existían redes sociales y básicamente se dependía de las radios y como mi material estaba grabado en forma casera no cumplía el estándar de calidad exigido. Recuerdo que por entonces me invitaron a un programa en la Radio Universidad de Chile y tocaron diez canciones mías, fue algo genial. Creo que todo cambió con Facebook que es una herramienta que nos ayudó a muchos, pero la verdad nunca he hecho muchos esfuerzos, como campañas y otros temas de marketing: soy mi propio agente. Todo el trabajo lo ha hecho el público que me sigue, recomendando mi música. Sí me he preocupado de ir a tocar a muchas partes, mostrando mi música; no basta que tu disco esté en Internet, debes ir a alguna radio o lugar a tocar. Es un buen trabajo y me permite estar moviéndome todo el año. Creo que esto es más importante que lo que se pueda hacer por internet. La escena santiaguina es muy centralista y yo intento no seguir este patrón.

¿Qué ocurre con tus contactos fuera del país?

Son públicos reducidos, son gente que conoce mi trabajo y me ayudan. Allí se abre una puerta.

¿Qué opinas de la escena actual de la música pop o rock en Chile?

Creo que se ha retroalimentando muy bien. Hace diez años había músicos pero no había público, era bien pobre la cosa, muy entre amigos. Ahora he constatado que hay un montón de público deseoso de escuchar músicos chilenos; lo encuentro muy saludable.
Hace algunos meses se publicó un artículo en el diario El País donde se vindicaba la escena pop chilena.
Una cosa es el público y otro la prensa. A estas alturas nada me sorprende; pensar en música chilena encerrada en un territorio es algo absurdo. Uno tiene otros públicos, en distintas partes, producto de Internet. Claro, tal vez en los noventa sería un hito, pero actualmente ya no provoca sorpresa. Por lo menos en mi caso, pienso en otros públicos, en gente que escucha mi música en Argentina, en España.

¿Qué te parece la prensa musical chilena? ¿La tradicional y la independiente? En términos de crítica, apoyo al desarrollo de la escena….
Medio hiperventilados quizá producto de la sobreoferta de música, medio Musical Express. Son un poco segregacionistas, tincados: una música debe estar arriba y otra no. Con este auge del paraíso del pop y ese folclore medio tránsfuga, se han dejado de lado las bandas de rock que aún siguen siendo música chilena. Esto no me gusta mucho: solo ver una parte de las cosas, tomando en cuenta que hay público para todo.

¿Qué crees que provoca esto?

Es un tema generacional, depende de quiénes hables. Los periodistas que escriben hoy eran niños en los noventa y apenas se acuerdan, no sé, de Nirvana. Creo que todo está bastante en pañales y hay que esperar unos diez años más para tener una visión más clara del tema, qué fue y qué es lo que quedó de todo esto. De todas formas, es el inicio de algo bueno.

¿Cómo es tu relación con los medios?

He hecho mi trabajo bastante al margen, de formas más bien espontánea. Saqué el disco y no hice ningún tipo de gestión de prensa y fueron los propios periodistas que me hicieron algunas notas, por ejemplo en la Extravaganza. Para el lanzamiento del disco le pedí una amiga periodista que me ayudara a promocionar la tocata ya que es el único concierto oficial que haré en Santiago por un tiempo. La música habla más que una nota de prensa. Todo debe ser más espontáneo.

¿Qué proyectos musicales tienes?

Voy a viajar durante los próximos meses y para el invierno retomaré un disco que tiene más sonido de banda, con batería, guitarras eléctricas; algunas son canciones re viejas, del 2008 o del 2009.

Pareciera que independiente de los arreglos, de la cobertura que se le dé a la música, lo que importa sigue siendo cuán sólidas y convocantes son las canciones.

Bueno, si de trata de estar al día y buscar novedades a como dé lugar, por lo menos yo no escucho mucha música de hoy en día. Pocas bandas me han llamado la atención, como para decir oh, qué increíble; quizá lo último de The National. Sigo músicos antiguos o redescubro cosas que escucho hace tiempo.

¿Cuál percibes que ha sido tu disco fundamental, donde tu obra alcanzó una cierta madurez?

Personalmente, mi favorito es Ciudadano B. Cada vez que debo volver a él para ensayar canciones para algún concierto me sorprende; ahora, a la gente le gusta mucho Introducción a la Geometría, quizá porque contiene canciones más conocidas y que han generado más identificación.

Nada de eso importaba.

Eran los adelantados de Manchester, según Tony Wilson, a metros de ti. Eran uno de los mitos de la movida de fines de los setentas y de la película que te voló la cabeza el 2004 escupiéndote que no creían que hubiera amor en este mundo (mientras de vuelta les llegaban sendos gargajos). Eran un par viejos piantes haciéndote cantar desafinadamente ‘wai shu aaa-iked, oooohhhh, wai shu aaa-iked’. Eran Pete Shely y Steve Diggle por primera vez en Chile.

Era la noche de los Buzzcock en el Novedades.

Era  punk y punk del weno, conchetumadre.

fotos y textos, un rollo compartido de natalia gonzález, francesca coeffé, sebastián tapia, alfonso arévalo y arturo carrillo.

Nunca me planteé hacer algo ambicioso. Lo principal era hacer un disco que me gustase mucho y que disfrutara su proceso de creación. El disco tiene matices, como la última canción que no tiene nada que ver con el resto del álbum. Es un reflejo de lo que me gusta e interesa. Siempre he intentado no autolimitarme y que así las ideas aparezcan más claras y la gente las entienda mejor.

¿Te aburriste de cierto tipo de música que prevalecía en tus discos con Teleradio Donoso? ¿Cómo avanzaste hacia algo distinto en tu carrera?

En el primer disco de Teleradio había canciones que hice, no sé, a los veinte años así que no fue un cambio tan brusco, ahora tengo 27. Además creo uno debe hacer cosas nuevas para no venderle mismo chiste a la gente una y otra vez durante treinta años. Uno tiene esta responsabilidad como artista. Hay una sobredosis de ese tipo de grupos de guitarras, influidos por los Beatles, y un día me cayó la teja de que eso ya no era suficiente para mí y que no me motivaba mucho que digamos.

¿Más o menos cuánto tiempo te demoraste en componer y grabar el disco?

Hay dos canciones de la última época junto a Teleradio y el resto es posterior. Básicamente continué con el mismo proceso que desarrollé con Teleradio: yo, en el estudio, componiendo y grabando, con la diferencia de que las canciones de Odisea no fueron grabadas por una banda. Me habré tomado un año en total, siendo la mezcla el momento más complicado.

Cuando concebiste el álbum, ¿tenías algún disco en mente? Independiente del deseo de que fuera personal, ¿te fijaste en algún músico o estilo a modo de referente?

No. Creo que dejé de escuchar música, para trabajar con mayor independencia. Mientras trabajábamos en Bailar y Llorar, me ocurrió que escuché un tema de Blondie y me gustaba mucho como sonaba una caja y quería emularla de alguna forma, lo que finalmente es una mala idea. Primero, porque es imposible lograr el sonido que había en Nueva York a fines de los setenta con los mejores equipos que han existido y, por otra parte, si ya está hecho, ¿para qué hacerlo de nuevo? Entonces, no pesqué muchas cosas ni me puse a escuchar tal o cual cosa. Hagámoslo según lo que nosotros creamos que esté bien.

Hay una idea un tanto conceptual que recorre el disco. Algo así como “el hombre en la ciudad, un tanto inquieto y asustado por las cosas que pasan a su alrededor”.

Fue algo medio inconsciente. Me preocupé de escribir cosas que realmente me preocuparan, evitando colocarme en modalidad canción de amor por default. Hay muchas variantes para hablar de esto, lo sé, pero en un día pasan muchas más cosas. Estoy seguro que todos pensamos más en plata que en amor… Es difícil la vida, trabajar, ganar plata; todo es bastante caro. Así que me dediqué a escribir de esos temas que me llamaban la atención. El cuento de la violencia es más metafórico que, por ejemplo, las noticias de Mega

¿No es entonces una alusión tan directa a la cotidianidad?

No es el asalto en la calle, sino lo difícil que es vivir en Chile: sacarse la chucha trabajando para no ganar tanto, la calidad de vida es más o menos, en fin.

¿Qué pasa con esa canción en que incluyes un sampler del caso Piñeragate?

Esa canción de podría haber llamado Megavisión. La hice a propósito con una letra más abstracta y desencajada porque tampoco me interesa el comentario social del tipo “Piñera es malo, tiene mucha plata…”Lo pienso, claro, pero me parece un poco burdo colocarlo en una canción. Funciona como transfondo para otros temas que me interesan más. Poco a poco la gente irá reconociendo otras conexiones entre las letras del álbum.

Tus temáticas han cambiado desde un foco más personal hacia temas más públicos, ¿qué hay en esta variaciones de enfoque?

Ahora que lo pienso, mis discos anteriores se referían más a lo que yo pensaba o sentía; ahora, se vinculan con lo que veo. Tuve cuidado de no ponerme en onda protesta social, como te decía.

¿Y esto partió de mirar algo que te pareció muy potente y que te convocó a hablar sobre ello?

Recurrentemente, hay una noticia que te impacta. Recuerdo estar en el estudio mientras veía los resultados de las elecciones y aparecían partidarios de Piñera celebrando con bustos de Pinochet; chuta, algo muy fuerte. Siempre hay noticias que si eres capaz de seguirles el hilo, puedes llegar a algo muy potente. O ahora con el caso de los mineros: todos sabemos que ellos quedaron atrapados no por nada. Es complicado hablar de estas cosas sobre todo porque si uno quiere hacer un comentario más social la gente comienza a exigirte ciertas credenciales. Pero sí me interesaba que las letras pudieran seguirle el hilo a aquellas cosas que solemos mirar superficialmente en la vida.

Álex, ¿cómo observas el desarrollo de la escena musical en Chile?

Creo que hay gente muy talentosa, pero en ningún caso hablaría de una escena y menos aún de una industria, esto porque básicamente no hay plata. Los locales son muy pocos, la gente no tiene plata para ir a los recitales ni comprar los discos. Parece un poco deprimente, pero ésa es mi visión

Entonces, ¿qué es lo que sustenta la oferta de música en Chile? ¿Las tecnologías de la información? ¿Cómo notas al público, más receptivo, más abierto?

No, no creo que la gente mejore. Sí, hay gente que hace cosas y es la que yo valoro. Pasa frecuentemente que la gente confunde tener opiniones sobre ciertas cosas con hacer cosas: tener opiniones es bastante más fácil que hacer algo. Cada vez hay más gente con acceso a hacer música, pero hay que enfrentarse eventualmente con un mercado que en Chile es muy chico y si tú quieres salir fuera tu opción es México y quizá las reglas de su mercado no te interesen tanto. Le gente piensa que hay una escena porque en realidad todos somos amigos. Antes probablemente, en los noventa, hubo industria pero no había escena: hay una mayor cantidad de músicos dando vueltas, haciendo sus discos.

He leído entrevistas tuyas en que asumías que no te interesaba mucho lo que se escribiese de ti, ni te interesabas en leer notas sobre tu trabajo. ¿A qué se debe esta distancia con los medios de comunicación?

No me parece muy interesante lo que se escribe de música en Chile. Como yo soy músico distingo mejor cuando el periodista no sabe bien de lo qué está escribiendo; cuando dicen, por ejemplo, sinuosos acordes, cuestiones que no significan nada y que disfrazan la ignorancia. El periodismo musical está lleno de palabras de ese tipo, que no dicen nada. Ahora, igual he leído prensa musical extranjera, ponte tú, estuve un tiempo suscrito a la revista Mojo y lo que allí había eran auténticas tesis. Además, no sé, a veces das una entrevista, poco tiempo después la lees y te percatas de cosas que jamás dijiste. Una vez conté que me gustaba Astor Piazolla y en la entrevista se comentaba que de chico yo iba al centro a comprar cassettes de Piazolla. Eso jamás ocurrió, no sé de dónde lo sacaron.

¿Crees que la existencia de medios digitales ha ayudado a la difusión del trabajo de una camada de músicos chilenos durante los años recientes?

Sí, por supuesto. Es la forma que hay para difundir tu trabajo. Los noticiarios pondrán, cuánto, ¿treinta segundos de música cada dos semanas? Entiendo la onda del no aporte. Ahora bien, siento que muchos de estos medios independientes se dedican a hablar sobre las diez cosas que no me gustan sobre no sé qué o las diez estrellas de cine más sobrevaloradas. A quién le importa si algo no te gusta; creo que se abocan demasiado a esto en lugar de indagar cosas nuevas, cubrir músicos con proyectos interesantes.

¿Piensas que hay ahora un público más receptivo, más abierto a las propuestas de un artista?

Sí, de hecho, creo que soy un ejemplo de eso. Mi primer disco es muy diferente al que hice ahora y hay gente que le gusta todo lo que hecho lo que demuestra que un público más receptivo. Claro, este fenómeno ocurre a través de Internet, lo que implica que la gente compare tu trabajo con cualquier otro disco lanzado en algún lugar del mundo; esto me parece enormemente saludable, tener un listón de comparación alto, estándares mundiales. Para uno, desde luego, es más complicado porque no tenemos plata para grabar en las mejores condiciones.

¿Cuál es tu apuesta en hacer música dentro de un medio que no ofrece las mejores condiciones para desarrollarse? Me refiero a las expectativas en cuanto al impacto, la difusión, las posibilidades de mostrar tu trabajo más allá de nuestras fronteras.

¿Quieres decir cantidad de trabajo versus cantidad de resultados obtenidos?

Exactamente.

Porque vivimos en un país como éste es fundamental que las expectativas no vayan con los resultados sino con el proceso artístico. Si lo piensas bien, la falta de industria permite que la calidad artística en Chile sea bastante alta, ya que no hay una obsesión en pensar cuál es el próximo single que se enviará a las radios; cada uno tiene sus propias metas. Ahora, ¿cómo se podrá sostener esto de aquí a diez años? Esta es la pregunta que debemos responder. Un asunto sobre el que nadie tiene muy claro qué pasará. Si estás en el estudio uno o dos meses nadie te paga un peso, por ejemplo. Pero bueno, nuestro trabajo es como cualquier otro, no quiero anteponer el sermón del pobre artista ni nada de eso.

Leí que has estado grabando con Gepe. ¿Cómo va eso? ¿Planean publicar un disco en conjunto?

Sí, ha sido muy entretenido. Nos juntamos regularmente a hacer canciones. Es algo nuevo ya que hasta ahora siempre hice todo por mi cuenta. Daniel –nombre de pila de Gepe- es súper relajado y ambos estamos en la modalidad de aportar ideas más que imponer celos frente a las ideas propias; a lo que lleve uno u otro e intentar ver qué sale. Igual es chistoso ver cómo confluyen dos personalidades porque a veces yo llego con un trozo de algo o Daniel hace lo mismo, y también en ocasiones trabajamos en paralelo.

¿Cómo planeas montar en vivo Odisea ya que es un disco que tiene bastantes elementos?

Hay dos músicos de sesión invitados: un saxofonista y un trompetista. El resto, salvo un par de cosas pequeñas, corren por mi cuenta.

¿Y esto pasa por un intento de absorber todo el trabajo que hay detrás del desarrollo de una obra? ¿Controlar todas las posibilidades?

Para mí es más fácil. Como te decía, el tiempo en el estudio no está financiado por nadie así trabajo en mis ratos libres. ¿Quién va a estar contigo en el estudio un domingo a las ocho de la noche? Si hay que tocar un bajo, una guitarra o un piano, los toco yo. La gente cree que soy maniático quizá porque me interesan demasiadas cosas: dirigí el video de Cabros –primer single del disco- y lo hice pues me encanta el cine.

En una nota a partir de tu álbum, una periodista decía que algo bueno de tu disco es que reforzaba una escasa tendencia de nuestra música hacia sonidos negros, de soul, disco, en fin, con una intención bailable, con groove. ¿Qué opinas de esto?

Crecí escuchando soul y es la música que no puedo dejar de escuchar. Creo que es una música que nunca nos llegó, que nos pasó. Salvo, no sé, Aretha Franklin con Respect, no hay un mayor acercamiento a esta música.

¿Habrá un tema idiosincrásico de fondo? ¿Quizá nuestro ánimo sólo llega hasta la cumbia y poco más allá?

Sí, nuestra idiosincrasia se contradice un poco con el soul, pero yo soy chileno, me gusta el soul y hago un disco que tenga soul. Mi papá es brasileño y, claro, a él le gusta la música de influencia negra. También tengo amigos que escuchan, no sé, cosas de house o más electrónicas y también he incorporado poco a poco elementos de este tipo. Hay algo que me sorprende de Chile: la gente tiende a dividir la música entre electrónica y canciones, uno por cada parte. También te podrían gustar ambas cosas y fusionarlas y es esto lo que hice a mi propio riesgo.

¿Cómo sientes que ha sido la recepción del disco?

Muy buena ya que invariablemente la gente que me comenta, puso atención en lo que escuchaba. Se fijaron en la música, en las letras y se dieron cuenta de que esto ya no iba de Teleradio Donoso.

¿Has contemplado la idea de viajar al extranjero y mostrar tu música a otros públicos?

La verdad, no es una idea que me desvele. Sí, tengo planeado viajar antes de fin de año a Argentina, y hay por ahí otro par de viajes en carpeta. En castellano, la música chilena es de lo mejor que hay, precisamente porque cada músico se ha dedicado a perseguir sus propios intereses artísticos.

Felipe Ruz (voz, guitarra y teclados), Sebastián Orellana (voz, bajo y guitarra) y el mítico Iván Molina (batería), son el trío que compone Philipina Bitch, una de las últimas revelaciones del bullante Concepción. En 2006 aparecieron en la escena penquista como dúo (Felipe y Sebastián) y con una grabación casera de sus primeras composiciones. Eso les bastó para llamar la atención del ex Santos Dumont Iván Molina, quien por ese entonces preparaba la creación de su propio sello: Discos Tue-Tue. Cuatro años después, con Iván Molina completamente integrado al grupo y con cuatro discos editados, Philipina Bitch tiene a Santiago como su centro de operaciones.

“Desde un principio nos sentimos bien acogidos acá en Santiago. La primera vez que tocamos acá sentimos una energía bien especial, como una conexión inmediata con el público. Además las otras bandas han sido súper buena onda con nosotros y entre todos nos ayudamos”, declara Felipe y agrega: “igual ha sido difícil venirse a Santiago, porque además de trabajar por el grupo estamos en la edad en que uno empieza a independizarse, entonces estamos con doble presión”. Por ello la consigna ha sido “tocar, tocar y tocar”, y este mismo sábado 26 de junio los tendremos en La Cantera de Valparaíso (acá sorteamos entradas). El resto del plan contempla crear sin limitaciones y trabajar duro del lado de la autogestión, como aseguran lo han hecho hasta el momento.

Philipina Bitch en su primera presentación en SCD Bellavista

¿Cómo ha sido trabajar de forma autogestionada? ¿qué experiencias han obtenido?

Felipe: Bueno, eso es algo que le debemos completamente al Iván (Molina). Él nos ha apoyado desde el principio y nos he enseñado a trabajar de esta forma.

Sebastián: Además igual es algo que se ha dado de forma lógica. Partimos grabando en la casa porque nos conocemos desde hace años, desde tercero básico que somos amigos y siempre hemos tocado juntos. Antes con otros amigos y en otros proyectos, pero siempre estuvo Philipina. Ensayábamos donde el Felipe y un día decidimos lanzarnos y hacer las cosas a nuestra manera, así que grabamos en la misma casa y nos gustó hacerlo de esa forma.

¿Cómo ha resultado la incorporación de Iván Molina a Philipina?

Felipe: A Iván lo conocemos desde el 2007 y ha sido un gran aporte para nosotros, ha sido como un maestro en todo esto y nos llevamos súper bien.

Sebastián: con el Iván se dio una muy buena dinámica. Al tiro agarró lo que tenemos y nos siguió el paso. No hubo que decirle ni explicarle nada, se acopló de inmediato, lo que igual es mejor porque es más libre. Como no tenemos que explicarle lo que queremos no le ponemos limitaciones, así todos somos más libres y vamos más allá con nuestra música, vamos creando todos.

Cuando partieron con Philipina Bitch, ¿cómo era el ambiente en Concepción, cómo era la generación de ustedes?

Felipe: Era una generación de mierda, jajajajaja. La verdad es que del colegio igual sólo saco re pocas cosas buenas. Una de ellas es haber conocido al Seba y haber armado a Philipina. La otra es el Vadim Strika, quien nos hace todo el arte de las carátulas y afiches de nuestras tocatas.

Lo que la llevaba en esa época, al menos para nosotros, es el Centro Cultural La Escalera. Ahí se comenzó a juntar mucha gente en la misma onda que nosotros, y de todo: había músicos, pintores, gente que hacía teatro, todos muy movidos. Ahí tocamos por primera vez, nadie nos conocía pero igual llegó caleta de gente, se llenó como nunca esa vez.

Sus discos han salido adelante con el aporte de fondos culturales del Estado, ¿cómo ha sido trabajar con ellos?

Sebastián: Si no hubiéramos tenido el fondo no sé si hubiéramos podido sacar el disco. En ese sentido fue una gran ayuda, porque, aunque ya tuviéramos la grabación, para sacar un disco necesitas remasterizarlo, la carátula, distribuirlo y un montón de cosas que no podíamos hacer solos.

Y los cambios a la política cultural que se proponen hacer en el gobierno de Piñera, ¿qué les parecen?

Felipe: Depende de los cambios que se hagan, y esperamos que no sean para mal. Hasta el momento no se ha visto mucho, sólo se dijo que las asignaciones iban a hacer democráticas, como de votación popular, pero eso no se puede porque igual debe haber gente especializada ordenando los fondos.

Sebastián: lo único que hemos visto es el logo nuevo del gobierno, y bueno, nada que decir pues, jajajajajaja.

Gira al sur profundo

En febrero pasado Philipina Bitch se la jugó con un ambicioso proyecto: una gira por el sur del país, que recorriera desde Santiago a Puerto Montt, pasando por Osorno, Pangupulli, Lanco y Río Bueno. Varios de ellos eran lugares completamente alejados del circuito tradicional de bandas, por lo que la apuesta era arriesgada a todas luces. En el periplo los acompaño Fernando Milagros y según cuentan sus protagonistas fue una experiencia completamente positiva. “Nos fue súper bien, varios eran lugares donde nunca habíamos tocado y fue una sorpresa para nosotros tocar ahí”, asegura Felipe Ruz.

Es por ello que en octubre próximo emprenderán nuevamente el viaje por la carretera, esta vez en compañía de Perrosky. Y según Felipe el panorama es bastante optimista: “Como ya la hicimos, esta vez no será tan difícil”. Junto con la gira, para lo que queda del año prometen tocar constantemente, tanto en Santiago como en otras ciudades.

Kevin, ¿Cuál es tu relación con nuestro país, con los músicos locales?

La verdad es que arrancó hace unos cinco o seis años. Venía amagando la posibilidad de venir a Chile, en una vuelta que estuvimos en España el 2002 en la que había un productor chileno de discos que se había enamorado del disco Sur o no Sur y luego la visita se concretó.

Siempre menciono que los productores chilenos me decían, bueno, ten cuidado acá somos un poco parcos, un poco secos y salimos a tocar en el oriente de Santiago y estaban todos reboleando las poleras, a viva voz cantando los temas, o sea que de parquedad nada (risas), así que siempre sentí una conexión muy fuerte. Después tuve cosas muy lindas que me pasaron con Chile: tocar en la asunción de Bachelet como Presidenta, tocar para un homenaje a Allende, así que tengo una conexión fuerte; es más, mi madre falleció en el 2002 y ella era una mina muy particular, una cumbiera intelectual que hablaba siete u ocho idiomas, y ella era muy bolivariana, muy latinoamericanista la madre, entonces tenía desde que tengo uso de razón la música de Jara, de Violeta, de los Quila. Tenía mucha música chilena presente en casa, entonces bueno como las influencias son invisibles en la música, seguramente algo de eso tengo. Creo que también culturalmente la gente de Chile tiene un training respecto a la canción, respecto a la lírica, son de prestar mucha atención a las letras y calculo que algo de eso también me ha favorecido la conexión con la gente porque yo le doy mucha importancia a las letras.

En relación al carnaval del Bicentenario, y considerando que has estado apoyando la gestión de Michelle Bachelet, ¿Cómo ves tú el cambio que está dando nuestra política?

Visto desde afuera, hace poco me dijeron la frase del pesimista, que es simplemente un optimista con experiencia (risas), entonces uno quisiera pensar que los chilenos son optimistas con experiencia y que después de veinte años de un gobierno es lógico que pase a manos de otros, aunque no sean del gusto de mucha gente, este; pero creo que la política es una especie de ameba, siempre hay un equilibrio ecológico entre la derecha y la izquierda. A veces se parecen, a veces se distancian monstruosamente, y a veces se acercan y se cruzan en unos aspectos. Creo que obviamente es un momento de transición. Ojalá que ustedes hayan aprendido la lección de poder estar de acuerdo o en desacuerdo, este nosotros no estamos muy duchos en eso últimamente, tenemos un vicepresidente peleado con la presidenta y siempre conflictos y peleas. Ojalá que nosotros también aprendamos un poco, creo que este es un momento interesante de ponernos a prueba en varios países latinoamericanos. A ver si pasamos este momento.

Por último, ¿En que estas con tus proyectos?

Ahora está saliendo un DVD en vivo que se llama Vivo en Buenos Aires junto a Liniers haciendo un mural gigante detrás de nosotros junto a la banda The Nada e invitados, como Kiko Veneno de España, Paulinho Moska de Brasil, e Ileana Cabra de Calle 13 . Tenemos unas imágenes muy lindas y la verdad no teníamos un registro en vivo de The Nada conmigo, así que estamos felices de tener eso que está saliendo ahora en marzo.

Además estoy trabajando en un disco de estudio que seguramente terminaré pronto, ya está cocinado en un 70 u 80 por ciento. Sería la segunda pata de ogo, y se va a llamar Jogo, así que, bueno, feliz con las cositas que van saliendo.

Fotos: Rodrigo Balladares

No existía un plan especial ni una intención premeditada. Al terminar el traumático proceso de grabación del álbum Resonancia en la Zona Central de Matorral, y a la espera de su publicación, Felipe Cadenasso ya acumulaba un puñado de canciones que no encontraban espacio en el derrotero discográfico de su banda madre. ¿Qué hacer? Apañárselas con un lanzamiento solista, así se lo aconsejó Gonzalo Planet, bajista de Matorral y colaborador en la grabación de El Movimiento, debut solista de Cadenasso, junto con gente como Bernardita Martínez, bajista de Guiso, entre otros.

“Sé que Matorral está relacionado con cierta estética de rock retro y de una especia de sonoridad chilena, pero no deseaba quedarme pegado en un estilo y busqué dar un giro. La verdad, éstas son canciones que compuse a lo largo de varios años, algunas estaban guardadas esperando una oportunidad de salir. Son ese tipo de canciones que compones en tu pieza”.

El Movimiento es un disco que desarrolla un tono que suena invariablemente afincado en estos pagos, aunque esa tesitura no pareciese –en palabras de su autor- ser particularmente consciente. El vínculo con lo vernáculo está dado, al parecer, a través del diálogo que Cadenasso sostiene con ciertas tradiciones urbanas. “Me interesaba investigar en cosas familiares, desarrollar una perspectiva urbana relacionada con lo que hay en barrios como Yungay, en el caso histórico de la ciudad, donde hay casas que todos conocemos, típicas, y que más o menos sabemos lo que podemos encontrar en su interior”. Felipe nos habla del misterio de las antiguallas que se esconden en calles como Esperanza, Cumming o Sotomayor. Lugares en que los objetos son capaces de reconstruir vidas ya extintas, existencias que hablan de un Chile anterior casi fuera de foco, donde tanto el hablar como las formas de vida tenían una desenvoltura diferente.

“No me di cuenta hasta que acabé el disco. Me percaté que había canciones que tenían una ambigüedad que es parte de ese léxico añejo, por ejemplo cuando una abuela te dice que anoche sintió una presencia. Te trata de usted, inclusive te puede parecer que está bromeando, pero no, ella habla en serio. Pensé mucho en esas formas, no tanto en su valor estético sino en esa forma de restituir vidas pasadas”. Pero ojo, esto no es una sesión encubierta de espiritismo. “No es que uno quiera visitar a los muertos, pero abres un cajón, no sabiendo con qué te vas a encontrar, y te topas con una libreta llena de anotaciones, o ves fotos de un pariente y comienzas a elaborar una historia a partir de esto”.

Lecciones en medio de la vida
Todo tiene que ver con cruzar un umbral, entrar en una nueva etapa. El Movimiento habla de eso precisamente: de rotar hacia un espacio en que las cosas comienzan a observarse desde perspectivas inéditas. “Tengo 31 años, y uno naturalmente se replantea su vida. No me interesaba hablar de las cosas aparentes, de lo que está en la cresta de la ola. En cambio, me interesa esa suerte de metafísica urbana, de esas cosas sobre las que nadie habla demasiado, de lo que se esconde en los barrios tradicionales, los mensajes que uno puede hallar en un patio de luz, en una figura religiosa, en muebles viejos”. Cuestión de establecer puentes, de ejercer cierta arqueología doméstica. La señora que a uno lo mira incrédulo por no creer en las presencias, sin perder jamás la amabilidad y hasta invitándonos a tomar una taza de té en su centenario comedor.

El Movimiento marcó otro debut: el de Leo Quinteros como productor. El autor de La Enredadera se encargó del proceso de supervisión, tarea feliz en palabras de Cadenasso. “En una ocasión me presenté en la SCD con estas canciones. Leo se acercó y me dijo que le encantaría producir el álbum; me comentó que le atraía la idea de grabarlo en un museo. Aquí estuvo la clave, porque yo pensaba exactamente lo mismo, y jamás lo había hablado previamente con él”. Todo marchó sobre ruedas; Quinteros y Cadenasso establecieron procedimientos coherentes de grabación y probaron constantemente alternativas de evolución para los temas. “Fue muy positivo. A Leo yo lo conocía a través de tocar juntos y poco a poco nos fuimos haciendo amigos; con Matorral siempre fui yo quien me encargaba de la producción, pero ahora me gustó la participación de un productor que aportase como un músico más”.

¿Y qué ocurre con las expectativas? Tranquilo, por las piedras. Sabiendo que ésta, la chilena, es una escena veleidosa y donde la exposición mediática tiene no pocos filtros, lo importante es conseguir difusión donde y al precio que sea. “Si la gente baja o copia el disco, yo, feliz. Lo que me importa es que el álbum se difunda, ya sea a través de los medios, de boca en boca, o de forma más under. Antes, en los noventa, en los tiempos de las ventas por miles, uno pensaba diferente. Ahora, todo ha cambiado; estoy muy satisfecho con la calidad de las canciones y la grabación, creo que es lo mejor que he hecho hasta ahora. Por eso, me interesa que la gente pueda acceder al disco”. ¿Y la rotación en radioemisoras? Cuesta conocer los criterios que determinan qué va y qué no en las parrillas programáticas de la radiofonía nacional. Harina de otro costal, que se dice.

Siguiendo la reflexión sobre la música popular en Chile, surgen las inconsistencias. Una plataforma que solo parece dar espacio para los nombres de alta venta y que no guarda proporciones adecuadas con las bandas de alcance más restringido. “No puedes pedirle a Guiso o a The Ganjas que llenen el Estadio Víctor Jara o que lleven pos sí solas mil personas a un recital; ni siquiera Gepe podría hacer eso”.

¿Consejos de una sobreviviente de la independencia como bandera? Antes que todo, cuidar la integridad de la música. “No puedes depender de factores que no puedas controlar. ¿Qué ocurre si no vendes 500 copias de tu álbum? ¿Te vas a la cresta? ¿Y si no ganas 400 lucas mensuales? ¿Te retiras? Junto con Gonzalo (Planet) hemos acordado que queremos seguir haciendo discos hasta viejos y que el modo de cómo nos ganemos la vida depende de cada uno y no del grupo. Claro, ojalá nos vaya mejor y el grupo consiga mejor difusión, pero lo importante es seguir haciendo música”

Mientras tanto, que la música siga con convicción, como reza el primer sencillo de El Movimiento. Que el impulso inicial de la música, la magia de tocar, componer y ensayar se lleve por delante a las vicisitudes. Y he aquí un primer tanto para Felipe Cadenasso, quien siente que con El Movimiento ha hallado una voz, un sonido, una madurez. No nos queda más que encontrarle un poco de razón y darse el tiempo de escuchar un disco que asegura más que un par de audiciones.

Lo primero es lo primero: contextualicemos. En el marco del último SANFIC, evento que sigue subiendo su caché de forma progresiva, se invito a nuestro país a Jem Cohen. El denominado “cineasta punk” vino a presentar algunas cintas y a dar una masterclass en la Cineteca Nacional. Para dos actividades en particular -ésta última, y la presentación de un documental con una banda ambientando en vivo- fue acompañado por dos músicos de calibre mayor. Todd Griffin y Guy Picciotto. El primero, ex integrante de The Graveyard Train. El segundo, aún parte integral de la mítica banda Fugazi.

Con este último, precisamente, fue posible concertar una entrevista. Un plan que contemplaba muchas preguntas, tal vez un café de esos que se pueden contar a medio mundo después – todo arruinado por una planificación y un horario casi inflexibles. Casi, porque aún así Guy Picciotto, un tipo que debería ser aplaudido dondequiera que entrase, se dio el tiempo para conversar unos minutos con nosotros.

¿Qué te trae a Chile ahora, en esta visita, Guy?
Bueno, el año pasado vine y toqué en el Festival de Cine SANFIC con mi amigo Todd Griffin para una película del cineasta Danny Williams. Este año, Jorge, uno de los productores del Festival, invitó a mi amigo Jem Cohen a presentar algunos films, y creo que estaba interesado en otra colaboración música-cine en el Festival. Jem había trabajado en una cinta que presentamos en Ciudad de México algunos meses atrás, una suerte de colaboración música-documental, y estaban interesados en traerlo aquí. Así que re-editamos la película, escribimos más música para ella, y eso es lo que vinimos a presentar anoche (el pasado 20 de Agosto, en el Cine Arte Normandie).

¿Cuánto llevas mezclando música y películas?
Bueno, prácticamente desde que conocí a Jem Cohen. Creo que comenzamos en 1988 – él es el primer cineasta, el único con el que he trabajado en términos de, digamos, hacer música y películas. Para mí es realmente emocionante. Creo que es una manera muy interesante de cambiar la experiencia de ir a ver una película, y también cambiar la experiencia de ir a ver un show. Combinando las dos, yo siento que hay mucho potencial para algo que no se ha hecho antes.

¿Tienes alguna relación con músicos locales, has escuchado a alguno…?
Cuando estuvimos aquí – Fugazi tocó aquí, uhm…

Laberinto.
Sí, unos 15 años atrás, algo así. Conocimos a un grupo de gente entonces, y tuvimos una experiencia asombrosa, la gente dándonos CDs y cosas así. Pero hay una distancia muy grande entre cuando estuve aquí, y ahora. Entonces, no he podido, no he estado en contacto con su música.

En tu última visita, el año pasado, ¿tuviste contacto con otros músicos?
No, estuve aquí por dos días. Cuando he estado aquí, ha sido trabajando, y no he tenido la posibilidad de salir, ver bandas y cosas así, que me encantaría hacer. Cuando estuve en Brasil – cuando Fugazi fue a Brasil, estuvimos allá casi un mes, ¿sabes? Entonces tuvimos una oportunidad mucho mayor de experimentar su música. Realmente me gustaría volver y tener más tiempo. Siempre siento que estoy con prisa aquí, no he tenido oportunidad. Sé que hay mucho pasando, pero… bueno, tú sabes.

¿Qué está pasando contigo, Guy? ¿En qué has estado?
Bueno, Fugazi no ha tocado durante cinco años, pero nosotros aún trabajamos juntos para mantener la música de la banda funcionando. Somos nuestros propios managers, manejamos nuestro propio sello y todo ese tipo de cosas, así que aún tenemos nuestro propio trabajo. He estado tocado con un músico llamado Vic Chesnut, oriundo de Ethon, Georgia, y lanzamos dos discos en el sello Constellation Records. He estado tocando con él como guitarrista.

¿Y qué hay de tu trabajo como productor?
He producido a The Gossip, después a Blonde Redhead, y bandas así.

¿Tocaste con Blonde Redhead?
No, sólo produje unos cinco discos para ellos.

¿Cómo llegaste a producir ‘Standing In The Way Of Control’, de Gossip?
Bueno, ellos eran una banda punk que conocí tocando shows, antes de que se hicieran realmente… populares, o lo que sea. Ellos eran sólo amigos míos, me pidieron que trabajara con ellos, y entonces… (risas), al disco le fue muy bien.

¿Y cómo llegaste a producir a Blonde Redhead?
De nuevo, ellos eran una banda que abrió para Fugazi, eran amigos míos. Yo tenía un pequeño estudio en el sótano de mi casa, con un pequeño grabador de 8 pistas. Ellos fueron a mi casa, yo comencé a hacer grabaciones con ellos, y terminamos trabajando juntos. Tenemos una amistad realmente cercana.

¿Tienes planes de producir otros discos, hay alguna banda que se te haya acercado…?
No, no recientemente. Produje el nuevo disco de Vic Chesnut, que sale en Septiembre, pero… No me considero realmente un productor, sólo trabajo. A veces, hay bandas con las que coopero, y empezamos empezar a trabajar juntos. Pero me considero a mí mismo un músico. Eso es todo.

Hablando de ser músico: ¿extrañas las giras, el tocar en vivo con una banda?
Sí, sí. Estaba viendo esta cinta ahora (Instrument, un documental de Fugazi hecho por Jem Cohen) y casi empiezo a llorar. Realmente lo extraño. La sensación de estar con una banda, la cercanía en la forma en que pensamos sobre la música, la intensidad de los shows… Es algo que falta en mi vida y es muy difícil. Lo echo mucho de menos.

Fugazi era una banda muy poderosa en vivo. ¿Cómo ha sido para ti la transición de ese tipo de shows a éstos, tocando en vivo pero quieto, y más bien suave?
Sí, es distinto, una experiencia muy diferente. Que Fugazi dejara de tocar fue muy bueno para mí, porque he podido producir discos, trabajar con diferentes músicos, hacer muchas cosas. En términos de banda, he sido muy feliz de poder ser más experimental en vivo. Pero sin duda, extraño esa… esa fisicalidad de tocar en vivo con un grupo como ése. Son cosas muy distintas – me encantaría poder hacer ambas al mismo tiempo.

¿Tienes planes de continuar haciendo estas colaboraciones cine-música?
Sí. Hemos hablado. Jem (Cohen) y yo estamos hablando sobre otros proyectos, otras formas para trabajar en ello. Creo que recién estamos comenzando a dilucidar cómo hacer que funcione, y espero que hagamos más proyectos juntos. Ser exitosos con esto.
¿Alguna vez has considerado hacer lo mismo, por ejemplo, para televisión?
No, nadie me lo ha preguntado (risas)… No, no ando buscando tantas cosas para hacer.

Fotos: Rodrigo Balladares

¿Cuál es la línea que buscaron con su más reciente disco, Guiso? Se los pregunto porque se notan algunas diferencias con su producción anterior, en donde incluían instrumentos no presentes de forma habitual en los álbumes del grupo, más arreglos, en fin.

Bernardita Martínez: De principio, el disco anterior fue grabado de forma diferente; lo registramos en partes. En cambio, las de nuestro último disco desean dar la impresión de que fueron escritas y grabadas para formar parte del álbum; de hecho, grabamos en un par de días. Además, las canciones no tienen demasiados arreglos.

Perrosky: No sé si lo pensamos mucho, pero se fue dando una intención de hacer algo más crudo y nada, estás haciendo canciones nuevas con lo que buscas refrescar tu mente sin decirse ah, si el disco anterior sonó popero, éste debe ser más rockero. No, todo funciona más inconscientemente.

¿Y esto obedece un poco a una especie de método de trabajo? Ir tocando y observando qué ocurra.

Perrosky: Claro, hacemos canciones, algunas han quedado fuera porque no nos gustaron, también recuperamos otras más antiguas; quizá las canciones no ocupadas las utilizaremos más tarde en alguna cara b o ep que lancemos. Siempre trabajamos en torno a lo que nos resulte más cómodo; no nos ponemos una meta con respecto al sonido de un tema en particular.

Álvaro Gómez: Nuestra meta es, en lo posible, sacar un álbum al año. Cada vez más la forma varía, de forma quizá accidental, pero de todos modos nos permite grabar canciones y editarlas.

Perrosky: Fue la primera vez, además, en que intentamos grabar en soporte digital, lo que nos costó bastante en un primer momento. A partir de aquí, cuando grabamos el disco anterior, nos dimos cuenta que podíamos ser más versátiles, mejorar los arreglos y preocuparnos de otras cosas. Siempre hemos sido partidarios del lema hazlo tú mismo y esto nos ha permitido manejar varios formatos de grabación.

Álvaro Gómez: Te engolosinas. Grabamos en ocho pistas y esto te da la chance, por ejemplo, de grabar diez guitarras, entonces vas preocupándote de esto y de otro.

Bernardita Martínez: Claro, pudimos experimentar bastante lo que nos acomodó mucho; será tal vez una forma de trabajo establecida para las próximas grabaciones.

A lo largo de todos sus álbumes se percibe el desarrollo de un sonido distintivo, que puede ser una amalgama de rock & roll, rockabilly, garage, punk, entre otros. ¿Cómo han ido puliendo estas formas?

Álvaro Guerra: Siempre hemos tenido rollo con lo técnico, cómo grabamos los discos y todo el cuento, por la razón de que estamos involucrados en el proceso de grabación. Aún así no somos tan demandantes de agregar nuevos elementos: usamos las guitarras de siempre, no añadimos sintetizadores, plug-ins de otros instrumentos. Dentro de todo el proceso de grabar el disco, en general, nos preocupamos más de las canciones que de cómo las grabamos. Se trata de acuñar un espacio en el cual desenvolvemos nuestro arte y las registramos en un período de tiempo; armamos un puñado de temas, y siempre con la intención de tener algo qué hacer, refrescarnos, poseer un tema de conversación nuevo en términos de promoción. Es lo que vienes a hacer: si tienes una banda debes estar permanentemente trabajando en esto.

Álvaro Gómez: El sonido del que hablas, no sé, creo que nos sale de la guata. Es algo muy animal, muy intuitivo. Escuchábamos cierta música, teníamos referentes, e intentamos hacer una versión del mundo que nos rodeaba.

Bernardita: Es también el fiato de tantos años de tocar juntos, de conocer muy bien cada uno sus instrumentos. Todos escuchamos mucha música diferente.

Perrosky: Todos juntos fuimos aprendiendo a hacer canciones. En algún momento nos gustó un estilo de música hasta que encontramos un punto de unión. También hay momentos en que deseas experimentar, colocar cierto arreglo de una canción que te gusta.

Cuando llegan al estudio de grabación, ¿aparecen ya con las maquetas listas o incorporan momentos de improvisación sobre canciones?

Guerra: Todo nuestro proceso transcurre en la sala de ensayos. Allí hacemos las canciones y después las grabamos; la única diferencia es que en un momento colocamos los micrófonos. Obvio, siempre que te ponen un micrófono en frente te comienzas a pifiar, o te pones nervioso

Bernardita: En el último disco todo fue muy rápido y cómodo. Grabamos no más allá de la segunda toma de una canción.

Perrosky: Fuimos montando las canciones a partir de la base de guitarra y batería. Teníamos una idea y la íbamos sumando poco a poco a esta base en la que trabajábamos.

Ustedes llevan ya diez años tocando y durante este período muchas bandas que compartieron ruta con ustedes ya han quedado en camino. ¿Cuáles son los elementos que las han permitido sobrevivir hasta ahora gozando de buena salud?

Bernardita: Creo que porque partimos no de la idea de hacer una banda, sino de una amistad que terminó siendo un grupo. Primero que nada somos muy amigos y nos respetamos, lo que nos ha ayudado a superar los momentos difíciles.

Perrosky: Hubo muchas bandas con gente que tocaba hacía muchísimo tiempo y al final te das cuenta que la respuesta de la gente no es recíproca con el esfuerzo que has colocado en tu carrera. De repente, piensas que te van a pescar mucho más. Nosotros, en cambio, nunca tuvimos una pretensión inicial. Nos gustaba tocar y con el paso del tiempos nos dimos cuenta que a mucha gente le gustaba lo que hacíamos y de este modo seguimos hasta ahora. Claro, lo ideal es poder vivir de esto, de tu música, cosa que no hemos logrado del todo, aunque hacemos todo por nuestra cuenta. Pero, como decía la Berni, lo principal es que nos gusta tocar juntos porque a cada uno le gusta como toca el resto de la banda.

Gómez: Nadie está en planes de marcharse con el nombre del grupo y salir con un segundo Guiso, no sé, como ocurre con Quilapayún u otros grupos. Tampoco traeríamos nuevos integrantes para que se aprendan las canciones; además, durante todo este tiempo cada uno ha hecho varias cosas paralelas: Álvaro es DJ, yo estoy en Perrosky, la Bernardita ha tocado con Felipe Cadenasso.

Álvaro Guerra: Hacemos música, por el lado que sea. Si tengo que hacer veinte cosas para seguir en lo que me gusta, bien, lo haré ya que es esto lo que me gusta hacer. Alguna vez hablé con el Chalo González –productor musical chileno- que me decía que antes grababa un disco y quedaba forrado para seis meses; con tres discos al año le bastaba para vivir. Me comentaba ‘yo ya estoy en esto de la música chilena, me gusta hacerlo, claro, ahora tengo un estudio mucho más chico en el debo trabajar el triple para ganar la mitad de lo que ganaba antes pero, qué diablos, ya estoy en esto’. Creo que esta es una de las gracias de este ámbito, más allá de la rentabilidad, ya que claramente es un pésimo negocio dedicarse a esto en el contexto chileno. Pero la satisfacción es la de trabajar contracorriente y generar contenidos, haciendo discos, para que un tipo los descargue en mp3 desde alguna parte: siempre habrá gente que desee hacer música y quien quiera escucharla.

Cuando conversamos por Perrosky me contaban que ya tenían plena conciencia de que el CD como soporte cumplía un rol de presentación de la obra de un grupo.

Perrosky: Ojalá tuviéramos una fábrica de vinilos pero, claro, el CD es muy maniobrable. Siempre habrá gente que desee comprar el disco por cariño, por coleccionismo. Nosotros nos preocupamos también por el arte del disco, el diseño, hacerlo más atractivo y original. Por el momento, vamos a continuar luchando por el disco como formato completo.

Esto de que dedicarse a la música en Chile es un pésimo negocio, ¿no mina en algún momento vuestro entusiasmo para perseverar en lo que hacen?

Álvaro Guerra: Por lo mismo, uno se da cuenta de que la gente que hace esto realmente va en serio; obvio que hay bandas que parten pensando de que van a grabar un disco y los van a llamar de la Rock & Pop y mañana tendrán por polola a una modelo. Bueno, a todos lo que en el corto plazo la realidad les haya mostrado por dónde iba la cosa y fueron capaces de grabar un segundo disco es que van en serio en el cuento. Hay muchos grupos que se parten el lomo trabajando de sol a sol y llegan a la noche a ensayar, y como no tienen plata terminan grabando de noche en cualquier estudio picante; pero bueno, esto es rigor.

Álvaro Gómez: Lo complicado es cuando conoces a alguien y te pregunta, ¿a qué te dedicas? Y tú respondes soy músico. También tiene que ver con lo excesivamente esquemáticas que son las cosas en Chile. Hay muchos músicos que hacen pegas que sólo consideran como el medio para pagar las cuentas. Y si tú les preguntas a qué se dedican ellos te responderán, soy músico. Todos tienen sus pegas. Cosas que quizá no te gusta hacer pero que te permiten afrontar tus proyectos personales.

Bernardita: Esa pregunta, creo, debiese ser vista como de mala educación. No me gusta que una persona que no me conoce me ande preguntando acerca de cómo me gano la vida.

Hay otra cosa interesante acerca de ustedes que son los videos clips, como herramienta de difusión. ¿Cómo los hacen y quién se ha encargado mayormente de dirigirlos?

Perrosky: Álvaro es el que le pega más a la parte audiovisual

Álvaro Guerra: Sí, yo he hecho los más malos, ja, ja.

Álvaro Gómez: Tenemos un amigo que ha visto que nuestro sonido se asemeja bastante al tipo de imágenes que le gustan: muy sucias, harto uso de cámaras súper ocho. Ahora ha estado muy lenta la recepción de videos lo-fi, creo que porque quizá en algún momento se abusó mucho de este modelo.

¿Cómo observan la evolución de la trayectoria de Guiso confrontada al desarrollo de la escena del rock de la década del dos mil?

Guerra: Aparecimos en un momento bastante desierto de la escena nacional, algo así como un período de transición donde no había muchas bandas o las que eran un referente para nosotros se separaron o partieron a Europa. Entonces, con cuatro palos pudimos construir una escena llamándole como sea: emergente, independiente. Se posicionó bien y es lo que a uno le da un poco de orgullo: que llegasen esos pendejos que ahora tienen banda a decirte oye, ¿y tú tienes una banda? ¿Y se puede vivir de la música? ¿Se puede tocar en Chile? Y tú les dices simplemente, mira, yo tengo un grupo, puedo tocar, así que es cosa de que te armes de valor y le des hacia adelante. La gente empieza a ver, por ejemplo, de que hay una banda que se llama Guiso, que toca todas las semanas y que hay un club que les permite mostrar su trabajo; la gente inquieta se cuestiona y recibe este voto de confianza para iniciar su grupo.

Muchas de nuestras primeras tocatas las hicimos en fuentes de soda. Con esto te quiero decir que fuimos capaces de darle continuidad a un proceso que estaba súper deshilachado, sin bandas ni espacios para tocar, con muchos músicos disparando hacia cualquier lado sin nada en concreto. Ahora puedes ver que surge un local y éste tiene amplificación, escenario. Antes, a principios del 2000, no había nada; salías con tu guitarra por el mismo micrófono de la voz. Llegabas a un local y te pasaban unos parlantes de música marca Sony para que amplificaras. Todo esto que fue creciendo de a poco ayudó al desarrollo de la escena en diversos sentidos; que haya más periodistas que cubran lo que ocurre, un público más inquieto que sabe más.

¿Y cómo han observado la evolución de la prensa especializada?

Guerra: Conversábamos sobre lo mismo con otro periodista, y han ocurrido cambios importantes. Uno termina conociendo a los periodistas que escriben de música porque no son muchos y siempre son los mismos los que vienen a hablar contigo. Recuerdo que cuando se comenzó a dar esta transición del periodismo escrito hacia Internet muchos periodistas se sintieron algo degradados de nivel; el tiempo le ha dado la razón a Internet: un Portal recibe muchas más visitas que lo que se lee un diario, por ejemplo.

Y la existencia de muchos medios en Internet, ¿sienten que ha mejorado el tratamiento de los temas?

Guerra: Hay de todo. De partida, el otro día leí una noticia en que decían que el 98% de los blogs están sin actualización al menos desde hace tres meses. Pero bueno, aún hay muchos sitios donde puedes encontrar información y que efectivamente lo están haciendo bien.

Perrosky: Claro, por ejemplo recuerdo la primera entrevista que nos hicieron y que apareció si no me equivoco en Publimetro; decía que éramos la mezcla perfecta entre Ramones y Nine Inch Nailes.

Guerra: Bueno, en La Nación apareció una nota acerca de la última tocata que realizamos y si te ponías a leer las primeras líneas, había tal nivel de confusión que era una pura huevada. Entonces te queda claro que la aparición en prensa escrita no asegura un rigor diferente al de Internet. Hay mucha gente que desea crear su propio espacio editorial de manera seria.

A partir de lo que hemos conversado, ¿son ahora, 2009, mejores las condiciones para trabajar que cuando ustedes iniciaron su carrera?

Guerra: Obviamente. Ha habido una escena que durante diez años se ha preocupado de levantar una infraestructura necesaria que permita que haya bandas, que haya recitales. Como periodista puedes crear tu propio espacio, hay un público que puede consumir lo que buscan; las tecnologías te permiten grabar tu música y si quieres mostrársela al mundo entero a través de Internet. Son cosas que se van validando a sí mismas. Hay más facilidades que en el 2000 pero, a su vez, nosotros también tuvimos más posibilidades que en los ochenta, donde realmente creo debe haber sido muy difícil grabar. Sin embargo, esto no significa que el resultado será mejor; todo va en el talento, en cuán buenas sean tus canciones, en el esfuerzo que le pongas. Te vas morir de hambre, sí, pero podrás hacer lo que quieras.

Cuando partimos con Guiso teníamos la idea de romper un poco con la verticalidad del sistema: el músico está aquí, el público acá y el periodista en este otro lado. Ahora, todo se ha ido equiparando, o al menos así lo veo yo. Nadie vive en una burbuja.

Perrosky: Buscábamos crear una complicidad desde los discos, de su arte, de entregar un producto que pueda ser querible para el público. Una vez estuvimos en Valparaíso, en una tocata, y a la gente le llamaba la atención que instalásemos una feria de discos independientes. Poco a poco, nuestros fans se dieron cuenta de que las cosas se podían hacer de una forma mucho más simple

Varias bandas lo hacen, ya sea por tributo o por señalar una instancia de transición, ¿por qué razón decidieron publicar un álbum de versiones, como lo es Doblando al español?

Perrosky: Fue algo bien natural sacar canciones. Ya con Guiso teníamos la costumbre de traducir letras. En el tiempo de El Ritmo y la Calle (2007) habíamos hecho dos o tres versiones, y nos gustó el resultado ya que creo que es un ejercicio muy bueno para uno el sacar una canción, traducir la letra y tocarla a tu manera. Al fin, El Ritmo en la Calle era tan largo que comenzamos a trabajar en este disco de covers; escuchábamos una canción que nos gustaba y decíamos ‘ah, qué buena, podríamos hacerla’.

Álvaro: Tú la colocas en tu estilo y esto viene a solidificar lo que haces. Como somos sólo dos en la banda, arreglábamos muy rápidamente una canción y la amoldábamos a nuestro sonido.

¿Pertenecían estas canciones al aprendizaje musical de ustedes o tenían un origen más circunstancial?

Perrosky: Hay de todo. La Quinta Normal la escuchábamos de chicos; por ejemplo las de Velvet Underground ya las habíamos preparado para un recital tributo al grupo en que participamos.

En términos de sonido, ¿hicieron algún tipo de variación con respecto al disco anterior, El Ritmo y la Calle?

Álvaro: Tuvo más arreglos y se limpió un poco más el sonido. En el disco anterior, habíamos trabajado en la mezcla Perrosky y yo, ahora éste trabajó con Francisco Mellado. Por esto es un disco que representa mejor la visión de Perrosky en cuanto a sonido, siendo más limpio.

Perrosky: Así y todo, la forma de trabajo fue muy parecida. Mezclábamos analógicamente y poco a poco comenzaron a aparecer los arreglos, nos tomamos el tiempo suficiente para hacerlos bien. Claro, utilizamos una mejor plataforma tecnológica para hacer el disco, algo que se nota. Un disco es un proyecto que debes pensarlo, cómo quieres grabarlo, de qué se va a tratar. Nos gusta mucho este juego.

¿Y cómo funcionaba este proceso de tomar una canción que no necesariamente se amoldaba al estilo de ustedes y llevarla hacia vuestro campo?

Perrosky: Partimos escuchando la canción original y sólo copiamos la estructura. Claro, había temas de Little Richard y Eddie Cochran en que buscamos un sonido muy parecido al de los originales, más rock & roll. Somos un dúo y nos cuesta demasiado adaptar canciones, no nos calentamos la cabeza demasiado.

Álvaro: Muchas de las canciones no las conocíamos y comenzábamos a imponerle un ritmo de batería que no tenía mucho qué ver, por eso creo que muchas versiones suenan frescas.

Quería preguntarles por el sonido del grupo que es bastante distintivo, un híbrido que contiene varias referencias. ¿Cómo han ido evolucionando en este ámbito? ¿Qué visión musical han construido a lo largo de estos años?

Álvaro: Creo que es lo que hemos ido aprendiendo a tocar. Me acuerdo que teníamos videos de jazz, no sé, gente como Charles Mingus, y te fijas en que el contrabajo se queda pegado un rato y así sucesivamente el resto de los solistas. Lo mismo ocurre en el blues, no en el más tradicional que a mí personalmente no me interesa mucho. Nuestra música tiene esta raíz norteamericana que aquí llegó a través del jazz huachaca y el rock & roll que comenzaron a adaptar en los sesenta; todo esto en la batidora dio por resultado nuestro estilo, pero no de un modo ‘ah, ya estamos más cerca de lograrlo, nos falta un poco más’. La gente nos decía que poseíamos un sonido muy particular y nosotros nos acordábamos de esos bluesman, por ejemplo, que eran lo que se llama un one man band, encargándose de todo. Ha habido gente anterior a nosotros mucho más loca, haciendo cosas más disparatadas, pero creo que el quiebre que le ha dado sentido a nuestra propuesta va por el lado de este folclore urbano cantado en español.

¿Siempre han tenido este enfoque de incorporar el blues rural en el sonido del grupo?

Perrosky: Siempre me ha gustado el blues de solistas negros, con su guitarra de palo, primitivo y para nada estructurados; me gustan esos temas de un par de acordes, pegadas, en que se varía la melodía pero todo cabe como en medio de un trance. Tienes a gente como John Lee Hooker, con un sonido muy sucio, pero también hay referencias más cercanas como Los Tres, a quienes nunca vi en vivo pero que me gustaban acaso por su inclusión del legado de Roberto Parra.

Álvaro: El hecho de esta especie de distancia de otorga una visión nueva de estos estilos, lo mismo que les ocurría a los cultores del jazz huachaca en Chile: nunca habían visto a Django Reinhardt por lo que asimilaban la música de una manera diferente.

Tú contabas en otras entrevistas que al principio de la carrera del grupo, Perrosky era sólo un proyecto paralelo a otras agrupaciones y que no poseía la dedicación necesaria para convertirlo en algo de mayor vuelo. ¿Qué te fue convenciendo de que Perrosky funcionaba, que te sentías cómodo con lo que se estaba haciendo?

Perrosky: Bueno, las personas que te escuchan y a los que les gusta lo que hacemos, pero en realidad siempre tocamos simplemente porque nos gusta esto. Partí solo y nunca me convencí de lo que hacía porque quizá lo encontraba muy privado. Entonces, tenía algunas canciones y mis amigos me decían oye podrías sacar un disco con esto, en fin, bla, bla. El hecho es que apareció un cassette, Añejo, y me dije, estoy cagado, esto ya existe y tienes que seguir adelante. Al principio, no me convencía porque todo me sonaba muy pelado, vacío, así que llamé a mi hermano para probar algo nuevo y poco a poco nos fuimos convenciendo. Empecé a sentirme relajado y más seguro.

Álvaro: Una vez estaba en la casa de una amiga, carreteando, y ella tenía el cassette de Perrosky. Al preguntarle me dijo, ‘sí, es un argentino súper bueno’, ja, ja. Le dije que era mi hermano y ella me contestaba que estaba loco, que si era del tiempo de Spinetta. Nos matábamos de la risa.

¿Y qué razón hay, por ejemplo, para que no tengan un bajista?

Perrosky: Yo creo que es porque de esta forma trabajamos mucho más relajadamente, evitamos el compromiso de meter a más personas. Si queremos ensayar mañana temprano, lo hacemos y punto. Además, averiguamos de gente como Hasil Adkins que tocaban todo por su cuenta y nada, me gustó la idea de tocar todo nosotros. Ya tenemos a Guiso, Algo Records, y Perrosky es para nosotros una forma de pasarlo bien.

Al principio no nos vestíamos de terno pero al Álvaro, una vez que se compró unos videos de jazz y de blues, se le ocurrió que podíamos empezar a usar ternos a la vieja usanza y así darle un toque más distintivo. Fíjate que ambos tocamos sentados, lo que es muy estático, por lo que requeríamos de algo que nos diera una faceta visual más interesante.

Álvaro: La cosa se armó así y se hizo entretenido suplir esta falta ya que tenemos claro qué queremos tocar. Por ejemplo, con El Ritmo y la Calle tuvimos varios problemas como que se nos borraron las cintas y entonces nos dijimos bueno, si no sacamos el disco seguiremos tocando del mismo modo en vivo. En la medida que publicamos un álbum uno comienza a comprometerse aún más con su música, ya que hay gente que le ha gustado, lo que merece una mirada hacia arriba. Es un trabajo.

En el Ritmo y la Calle intercalan fragmentos de predicadores callejeros, sapos de micros, raperos. ¿Es esta una vocación de rescatar elementos cotidianos y de observar la vida urbana, lo que ocurre mientras la gente camina y toma el micro?

Perrosky: Siempre me ha gustado esto. Hay cosas muy choras, sonidos, los músicos que andaban en los medios de transporte, por ejemplo. Además, siempre porto la grabadora ya que soy malo para escribir y si llego a tener algunas ideas para componer las registro inmediatamente. Me decía que mi plan a futuro, cuando fuese viejo, sería hacer un disco electrónico que incluiría todos estos samplers. Un día con el Álvaro se nos ocurrió revisar estas grabaciones caseras y elegimos las mejores, casi todas tomadas en Santiago.

¿Cómo ha ido el proceso de difusión de Perrosky en Latinoamérica?

Álvaro: El rock chileno está muy bien mirado en el resto de Latinoamérica. Se ve como algo vanguardia, muy buen pop y rock. Viajamos a Argentina en un momento en que allá se vivía un momento de recambio de bandas y nos percatamos de que la escena nacional está en un buen pie. Nos encantaría viajar a más países, Bolivia, Ecuador, México. Hemos ido a Brasil y Argentina. El público de afuera es súper motivado, basta que le guste un ritmo y se entusiasma rápidamente.

Como cabecillas de este colectivo que es Algo Récords, ¿cómo evalúan estos nueve años que llevan operando como sello? ¿Cuáles son las condiciones en las que trabajan actualmente y qué perspectivas ven en el desarrollo del trabajo independiente?

Perrosky: Bueno, tenemos un acuerdo con el sello Oveja Negra en términos de distribución. Hay que estar reinventándose todo el tiempo, sobre todo ahora que el disco como soporte está convirtiéndose más que nada en una herramienta de presentación de nuestro trabajo. El fuerte de las bandas está en los conciertos; los discos puedes descargarlos. Claro hay seguidores del grupo que desearán tener un álbum ya sea por el arte, las letras, en fin, pero para un tipo que vive en Uruguay, por ejemplo, lo importante será conocer la música por medio de la vía más cercana, que en este caso son las descargas vía Internet. Para nosotros aún es muy difícil que un sello grande tome nuestra música y la publique afuera.

Ha sido muy gratificante ver cómo se ha incrementado nuestra producción discográfica. Cada disco que se hace suena mejor, tiene una factura más acabada, se mejoran la presentación, las tocatas. Ahora nos estamos ordenando. De a poco vas aprendiendo, ninguno posee estudios sobre cómo funciona el mercado; somos músicos y por esto nos ha sido difícil, cómo debes hacer para lanzar un disco, qué contactos debes tener para que un álbum funcione. Vimos las experiencias del sello de Pánico con Combo discos, de los Fiscales Ad-Hok por su parte, y nos dimos cuenta qué esa era la forma de trabajar: si pretendíamos vivir de la música la única forma de lograrlo era tomando el toro por las astas. Aprendimos sobre procesos de grabación, experimentamos, compramos máquinas, editamos singles, cajas. En un momento teníamos ocho grupos y, claro, no teníamos capacidad de atender a cada una como correspondía. Actualmente, todo funciona mejor, cada grupo está más estable, bueno, los cuatro que operan oficialmente dentro del sello: Ganjas, Guiso, Perrosky, Hielo Negro y The Versions.

Nos pasó, por ejemplo, con bandas como Camión o Yajaira que se hizo una inversión en plata y tiempo para sacar sus discos y al poco tiempo las bandas se habían separado. Chucha, podrían habernos avisado, dijimos. Entonces está esto del sueño quijotesco, de jugártela a concho por tus ambiciones y de pronto te das cuenta que la realidad no es para nada así, del modo que la pensaste. Sucede que uno tiene visiones de cómo le va a ir a un disco y después preguntas cuántas copias vendiste, ah, apenas una, y después te enteras que fue regalada. Ilusiones erróneas; la verdad, creemos en pocas cosas pero sabemos en cuáles creer. Lo que me reafirmó que estábamos en el camino correcto fue la celebración del primer cumpleaños de Algo Récords. Fueros dos meses de promoción, de pegar afiches, de generar contactos; nos hicimos pedazos. La verdad, yo no tenía mucha fe y cuando llegamos al Teatro Italia había una gran fila de gente esperando entrar. Claro, hubo muchos problemas técnicos pero lo importante es que habíamos logrado generar un evento con un buen impacto. Como celebración fue una experiencia la raja.

Álvaro: Antes del convenio con Oveja Negra nosotros editábamos los discos. Con la plata que recuperabas de uno ibas y producías el siguiente; te pasabas todo el tiempo tapando hoyos. Pedías préstamos. Era un tiempo del hacer: había que tocar y plasmar algo, hacer discos. Claro, ahora ya hay una plataforma, un modo de hacer las cosas ya establecido, incluso una sonoridad. Sin embargo, no cabe la comparación con un sello grande y menos aún con uno internacional.

Me acuerdo que en los primeros discos de Perrosky el arte lo diseñaba un amigo, después se mandaba a serigrafía pero había que copiarlos, entonces al momento de un lanzamiento había que copiar, montar las cajas, hacer los sobres y así nos daban las tres de la mañana. Así teníamos, no sé, cien discos; tiempo después nos llamaban de una disquería para decirnos que se habían acabado las copias. Aquí comenzábamos todo de nuevo. Es como el buscador de oro: te cuesta encontrar algo, pero tienes un impulso y el oficio para seguir.

¿Cómo observan el tema de la difusión en los medios de comunicación y el surgimiento de espacios alternativos como Internet?

Álvaro: En Chile se parte de la base de que no hay prensa especializada. Un periodista de El Mercurio puede hacer el comentario de un disco de Cecilia Echenique y después del tuyo, y a él se le pide que tenga el bagaje necesario para hacer esa pega. Todo se vuelve más específico. Tienes el caso de medios como Súper 45 que cubren un espacio bien delimitado de música y poseen una lectoría definida que a su vez es gente que no va a leer la Rolling Stone. Esto es creo lo que ha pasado desde el 2000 hasta ahora: antes Internet no era una herramienta tan potente, no había blogs, y lo que se hacía era escuchar programas de radio independientes. La verdad, no sé lo que ocurre con la prensa escrita; quizá tienen una cola de gente esperando por una mención, quién sabe.

En una ocasión conversaba con un tipo de radio y él me decía que si uno pusiese un tema de una banda chilena equis junto con otro de una banda gringa, no sé, Good Charlotte, al final la gente engancharía con el grupo chileno. Muchas veces el público se queda con algo por osmosis no por un gusto definido. Está la payola que es una cuestión que se hace, pagar por emisión. En el otro sentido, mira lo que ocurrió con Ganjas: abrieron para Jesus and Mary Chain y REM, y fue como una especie de reconocimiento a tantos años de ponerle el hombro, de hacer buenos discos.

Sobre lo mismo, ¿qué estrategias tienen como sello para mejorar el impacto en medios?

Álvaro: Por ejemplo, uno sabe a qué medios puedes llevar el disco y conseguir un comentario. Con los años uno conoce a gente, no sé, que un día estuvieron en La Tercera y hoy están en Rolling Stone. Uno los llama y les dice oye escucha el álbum, a ver si te gusta; más presión que ésta no podemos hacer. No tenemos un arma, no es una exigencia mía ni tampoco una obligación para él comentar el disco. Es la propia música la que tiene que hablar por sí misma. Hay periodistas que no comentan el disco porque no les gustó y piensan que hablando podrían hacerle un mal; para mí esto no es bueno. Si a alguien no le gustó o le pareció excelente sigue siendo igualmente válido. En este sentido, los medios se resguardan mucho. Además, al ser una escena pequeña, la torta que se reparte queda entre muy pocas bandas. En este sentido, lo que ocurre con Radio Uno no es una solución pero al menos ayuda a destapar. Uno ve un video del Macha –La Floripondio, Chico Trujillo-, con quien uno de cuadra, pero te das cuenta que jamás lo pasarán por Vía X, donde con suerte dan un video de música chilena.

Hay canales de difusión que son independientes, que tú puedes controlar, lo que te permite abrir nuevas puertas. No se puede llorar sobre la leche derramada; no puedes ir al canal a decirles oye porque no ponen mi video, o ir a pintarle el mono al locutor radial porque no rota tu disco.

Perrosky: Hay un estándar de calidad muy similar entre un sello independiente y lo que se hace en un sello internacional. Surge una necesidad de espacios para difundir tus productos. Por ejemplo, el otro día entré en una página web y había muchos videos que jamás había visto; cosas de Tío Lucho o Chico Trujillo de muy buena calidad. Los medios se dan cuenta de que existe esta necesidad de dar cabida.

Vale la pena hacer una inversión en algo como un video clip no porque quieras que aparezca en MTV sino simplemente por hacer bien la pega. Lo otro le compete a otra persona.

Hay instancias como la Cumbre del Rock chileno donde está la oportunidad de apreciar otras propuestas; o sea, salgamos un poco de los Jaivas, los Tres. Está la idea de mostrar otras bandas tan buenas como Gepe, Leo Quinteros, los propios Fiskales. Claro, uno se pregunta porque esto no lo pasan por la tele; simplemente porque no hay espacio.

La agrupación The Ganjas presenta su nuevo disco, Loose, en la Sala SCD de Barrio Bellavista. La entrada tiene un valor de $2.500 y el recital comienza a las 21:00.